Cine com Pipoca

Crítica | Precisamos Falar Sobre o Kevin

2012-01-27T23:50:00.001-02:00

Gênero: Drama, Suspense

Duração: 112 min.

Roteiristas: Lynne Ramsay & Rory Kinnear

Diretora: Lynne Ramsay

Ao assistir esta obra de Lynne Ramsay, a vontade de conhecer mais da diretora me atingiu e assim fez-me voltar em 1999 para ver Ratcatcher, seu primeiro longa, e depois em 2002 para ver O Romance de Morvern Callar, seu último trabalho. Sempre entrelaçada a problemas familiares anexados a tragédias pessoais, aqui a diretora adapta o livro homônimo de Lionel Shriver e nos trás a raridade do tema na relação da mãe com um filho na consequência da rejeição no ventre, aonde chegamos à conclusão que, ao invés de falarmos de Kevin, aqui na verdade nós precisamos falar sobre Eva.

Em todos os trabalhos, Lynne Ramsay apresenta protagonistas que já estão numa situação psicológica prejudicada, e aqui não é diferente, desde que vemos Eva (Tilda Swinton) alienada a loucura da festa da "Tomatina" até percebermos que possuía um relacionamento que dava problemas ao seu marido Franklin (John C. Reilly), que ligava por sua procura. Depois, na euforia do sexo entre os dois, a mulher fora de si se torna incapaz de entender o que seu marido queria dizer com "Você tem certeza disso?". Um sexo sem prevenção. A câmera foca o relógio a 00:01. Novo dia. Kevin, numa imprudência, está feito.

Com isso, vamos ver que a introdução do roteiro procura nos dirigir ao princípio de como Kevin era um filho imprevisto e com isso indesejável. Eva sofre pelo acidente da gravidez, repudia a sua e a barriga das demais grávidas. O pedido constante da enfermeira para no parto dizendo "Eva, não resista!" é sinônimo de que prefere à constante dor do parto a infelicidade de ser mãe. E assim, a narrativa nas mãos de Lenny vai começar a percorrer o caminho da causa (o que a mãe passou para o filho) e a consequência (o que o filho passará para a mãe).

Evitando assim qualquer hipótese de proximidade com sua mãe, por mais que lhe dê falsas esperanças, Kevin na infância (Jasper Newell) parece onisciente quanto aos pensamentos de Eva e até mesmo de toda sua história. Parece saber que foi rejeitado e quer vingança usando de uma racionalidade que vai além de sua idade para descontar daquilo que não recebeu no ventre. Kevin não se trata de um Damien de A Profecia. Ele é "natural". Quando jovem (Ezra Miller), dá uma progressão viciante a toda essa questão de não dar paz e criar situações para surpreender a mãe do que ele é capaz, com uma personalidade que em seu interior julga existir por causa dela.

Parece muito falar sobre Eva e Kevin, mas ainda é pouco, caro leitor. O trabalho de personagem aqui estabelecido por Ramsay é à base de todas as forças de seu trabalho, levando a qualquer outro quesito desempenhar suas funções através daquilo que cada figura é no filme. As contínuas utilizações da cor vermelha para demarcar as lembranças de Eva dão o tom da fotografia. A posição da câmera muita vezes foca a família numa mesma cena, com os personagens em distâncias coerentes com a proximidade espiritual de cada membro (basta olhar os lugares que cada um ocupa na mesa, com Kevin ao centro) e também vemos que por mais conflituosa que seja a relação de mãe e filho, ambos ainda se encontram numa semelhança física intrigante (como na cena do corte abrupto em que Eva mergulha o rosto na água e depois nos deparamos com o rosto de Kevin, na mesma ação) e de gênero (quando o próprio Kevin diz que puxou a mãe, na chegada ao golfe).

Ramsay acredita na capacidade de dedução do espectador. Gosta de focar os objetos para estabelecer um diálogo conosco: uma delas ocorre na agência de viagens onde Eva consegue emprego, com funcionários caricatos e ambiente de aparência desgastada. Na cena, há um cartaz escrito "Is for Lovers" em que o vento incomoda a todo o momento a palavra "Lovers", numa demonstração que as pessoas que estão ali pouco vivem a expressão. Além disso, a diretora gosta de focar as feições, passear com a câmera nos gestos físicos, nas ações sem palavras, mas capaz de gerar-nos qualquer tipo de sentimento (a cena em que Kevin mastiga uma fruta no café é irritante).

Além de saber muito bem onde colocar a câmera, Lynne sabe trabalhar com a montagem. Os primeiros minutos de Precisamos Falar Sobre o Kevin são primordiais e admiráveis. Um misto de toda a história se resume neste instante. Ali, todos os caminhos da narrativa vão se entrelaçando, começando por uma cena que se comunica com o final. Não parando por ai, percebe-se que na tomada em que Eva é mergulhada naquela piscina de tomates, os gritos não pertencem à aquela cena, mas sim a uma que veremos no final. Mais do que isso, todo o momento de felicidade dela no filme é acompanhado da mesma música que é tocada no instante mais trágico de sua vida, em frente ao colégio.

E toda essa bagagem pesada de um pesadelo vivido por uma mãe não chegaria até nós se não fosse por Tilda Swinton (ignorada no Oscar) - que nessa característica da diretora de manter o foco nas expressões se sai mais do que bem no difícil papel que recebeu. A atriz consegue manter o estado apocalíptico da vida de Eva, da culpabilidade, sem esperanças de renascimento, de predominante passividade às consequências da tragédia. A diretora Lenny Ramsay consegue sua maior obra, sendo desconfortável, tenso, pessimista, mas que não nos impede de saborear um bom trabalho, principalmente por causa do desempenho devastador.

por Alyson Carlos

Crítica | 2 Coelhos

2012-01-27T23:33:00.005-02:00

Gênero: Ação

Duração: 104 min.

Roteirista: Afonso Poyart

Diretor: Afonso Poyart

Impregnado de filmes policiais, autobiográficos, religiosos e comédias românticas sem graça alguma, o cinema brasileiro não sai da mesmice. Surpresas aparecem, sim, mas se você não tiver no elenco um Selton Mello. Wagner Moura ou Rodrigo Santoro da vida, provavelmente não terá sucesso. Triste saber como funciona a indústria num país de 3º mundo onde a fofoca predomina e um crime hediondo não é muito comentado por ninguém nas ruas a não ser que aconteça em um reality show. Porém, ainda há esperanças por aqui, pelo menos no cinema, quando vimos o lançamento de algo como 2 Coelhos, filme do estrante diretor jovem Afonso Poyart que chega a ser uma surpresa nessa safra.

Ele segue a história de Edgar (Fernando Alves Pinto), um cara que, segundo ele mesmo, "só joga videogame e vê pornografia", além de se encontrar na mesma situação que a maioria dos brasileiros: espremido entre a criminalidade, que age impunemente, e a maioria do poder público, que só age com o auxilio da corrupção. Depois de ser assaltado e cansado de ser vítima desta situação, ele resolve fazer justiça com as próprias mãos e elabora um plano que colocará os criminosos em rota de colisão com políticos gananciosos.

Afonso, em seu primeiro filme, se mostra um verdeiro aficionado pela cultura pop. Desde espadas samurai e cenas que remetem ao jogo "Grand Theft Auto: San Andreas" até uma conversa do protagonista sobre todos os videogames que ele teve e o webhit "Sou Foda" sendo tocado em uma festa, Poyart nos apresenta diversas referências ao longa da projeção. Isso sem falar, claro, nos inúmeros efeitos visuais, que parecem ser uma compilação de tudo que o diretor viu em filmes estadunidenses e achou que seria legal e divertido empregar em seu próprio, como cabeças explodindo em blocos, carros voando pelos ares e slow motion em excesso. O resultado acaba por ser satisfatório, com belos efeitos, mas chega a irritar a partir de um momento em que Afonso começa a impregnar e colocar tais artifícios de 10 em 10 minutos.

Seguindo uma história não-linear, o roteiro (também escrito pelo diretor) funciona excepcionalmente bem adotando tal modo. As muitas reviravoltas são surpreendentes e o jeito como tudo se conecta é, no minimo, bárbaro. No entanto, alguns personagens chegam a ser mal desenvolvidos, por exemplo o vilão Máicon e o professor Walter, e outros apenas aparecem porque convém para a história, como os ladrões Velinha e Cleiton. Mesmo assim, o jeito como 2 Coelhos progride ao seu grande clímax é admirável, fazendo com que você sinta realmente algo pelos personagens, e o final é uma grande prova disso. O único ponto fraco se vale pela trilha sonora que se utiliza de certas músicas em momentos bem inapropriados, como a música tema "Kings and Queens" da banda 30 Seconds to Mars que, com sua atmosfera épica, acaba se contrapondo às cenas calmas em que aparece.

Enquanto isso, o elenco trabalha na média. Fernando Alves Pinto interpreta um pouco truncado um homem de bobeira com a vida, mas centrado em realizar seu plano arquitetado. Suas expressões nunca parecem serem verdadeiras e, guardada as devidas proporções, ele se parece com Robert Pattinson nesse quesito. Felizmente, não temos uma Kristen Stewart aqui e Alessandra Negrini vive com sensualidade e naturalidade, por assim dizer, o papel de "mocinha", sendo uma das poucas mulheres no elenco. Marat Descartes como Máicon dá ao vilão um verdadeiro jeito de mal, mesmo com as aparências enganando isso. Já Caco Ciocler pouco aparece com seu personagem mal aproveitado, infelizmente, entretanto sentimos toda sua dor apenas por sua expressão e fala mansa, baixa, como de alguém que perdeu um ente muito querido e ainda não acredita.

Um estranho no ninho nessa era Globo Filmes (agora Telecine Productions, visando divulgar o canal de televisão por assinatura que se dedica a exibição de filmes) de uns tempos pra cá, 2 Coelhos aparece como um divisor de águas. Apenas espero que continue assim e que outros filmes desse gênero apareçam, nos empolgando para não perdermos a esperança.

por Vinícius Ebenau

Crítica | Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras

2012-01-27T18:36:00.000-02:00

Gênero: Ação, Aventura

Duração: 129 min.

Roteiristas: Kieran Mulroney & Michele Mulroney

Diretor: Guy Ritchie

A estréia do primeiro Sherlock Holmes em 2009 aos cinemas foi bem positiva financeiramente para a Warner Brothers, mas como bilheteria não significa necessariamente que o filme seja bom, o longa de Guy Ritchie foi apenas regular. Dois anos depois (o filme estreiou no final de 2011 nos Estados Unidos), o diretor inglês entrega uma película muito mais consistente, divertida, porém não menos descartável.

Na trama, Holmes começa a ligar uma série de roubos a um plano de proporções gigantescas vindo de uma inteligência astuciosa vivido por Jared Harris, o professor Moriarty, o grande inimigo do espião inglês. À medida que o plano vai seguindo adiante, Sherlock conhece uma cigana chamada Simza (vivida pela ótima Noomi Rapace), cuja personagem tem papel fundamental para que o espião consiga deter que Moriarty provoque uma guerra mundial.

Como no primeiro longa, a ambientação, design de produção, fotografia, trilha sonora e figurino são fantásticos. Aqui, a trilha de Hans Zimmer ganha uma mescla circense e faz com que a sonoplastia do filme beire a perfeição de acordo com a necessidade dos personagens e roteiro. Por falar em roteiro, aqui foi adicionado coerência, um arco dramático mais consistente e um vilão mais a altura do personagem principal, o que facilmente eleva a qualidade do filme e faz com que seu desenvolvimento seja mais agradável, entretanto, não possui poder e estrutura suficiente para manter a concentração e a vontade do expectador de querer saber como aquele "mistério" será resolvido.

Outro problema do segundo longa do espião fica por conta da incapacidade do diretor de trazer momentos originais aos personagens. Nota-se a todos os momentos do filme a utilização de idéias que deram certo no primeiro, onde aqui são reconstruídas e/ou reforçadas para que o público tenha uma falsa sensação de vigor e inovação. Exemplo disso é uma cena particularmente interessante de um duelo entre as mentes de Sherlock e Moriarty: a sequência é ótima, mas nada que uma duplicação do que o personagem principal faz.

A solução dos problemas do longa ficam por conta de Robert Downey Jr., Jude Law e Stephen Fry. Não há um momento ruim da construção dos personagens feita pelos atores, a química entre Downey Jr. e Law aqui beira o sensacional e Fry como o irmão egocêntrico de Sherlock rouba as cenas em que aparece. Jared Harris cumpre muito bem o seu papel como vilão e o que decepciona um pouco é a pouca presença de Noomi Rapace e Rachel McAdams, ambas atrizes ótimas, porém pouco exploradas. As sacadas do humor do filme tomam o cérebro do público pela peculiaridade da introdução das mesmas em situações prá lá de divertidas.

Como resultado final, Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras aprendeu bastante em comparação ao original, mas ainda falta-lhe prender o público com um roteiro e situação mais atraentes e originais. Infelizmente, ao fim do filme, a sensação que as mais de 2 horas de projeção produz é semelhante a franquia Piratas do Caribe: tudo aquilo é sustentando por atores ótimos que por consequência fazem inúmeras situações saírem da mesmice e da própria chatice para o engraçado e o divertido, mas a pergunta é até quando?

por Derek Klein

Crítica | O Espião que Sabia Demais

2012-01-25T13:28:00.004-02:00

Gênero: Drama, Suspense

Duração: 127 min.

Roteiristas: Bridget O'Connor & Peter Straughan

Diretor: Tomas Alfredson

Diálogos sussurrados, paranóia, escutas telefônicas, agentes secretos e espionagem! O novo filme do diretor sueco Tomas Alfredson (o mesmo do belo Deixa Ela Entrar) traz às telas uma magnífica trama de espiões ambientada na Europa no auge da guerra fria.

Baseado no livro "Tinker, Tailor, Soldier, Spy" de John le Carré, a narrativa tem início numa conversa entre “Controle” (John Hurt) e Jim Prideaux (Mark Strong), na qual fica acertado que o segundo deve ir á Budapeste atrás de um homem que teria informações sobre um agente duplo no alto escalão do MI6, o serviço de inteligência britânico.

O filme é imerso em tons pardos e acinzentados, reforçando o universo obscuro e sem vida daqueles homens velhos, presos às suas tarefas. A direção de arte faz um trabalho fabuloso, em especial na recriação da Londres dos anos 70. Reparem como existe uma preocupação com detalhes mínimos como um lembrete em papel que diz “Não tire da tomada” ao lado de um aparelho técnico avançado para a época, utilizado pelos agentes. A trama é rica e muito bem orquestrada. Embora seja simples, é detalhista, de modo que um segundo de distração por parte do espectador pode comprometer o entendimento do filme.

O protagonista é "Smiley" (sorridente em inglês), interpretado com maestria por Gary Oldman. O sujeito surge como braço direito de Controle, e embora pareça saber apenas seguir ordens vai mostrando ao longo da narrativa seu aprendizado com os anos de experiência naquele trabalho. Oldman é muito detalhista na composição de seu personagem. Perceba como ele utiliza gestos simples e econômicos e tem um estilo diferente dos agentes mais novos, como por exemplo na hora de um interrogatório, quando abdica da violência e convence o sujeito a lhe dar as informações requisitadas apenas através de um "convencimento", assim como ao se livrar de uma simples mosca numa cena inusitada...

Ao contrário de Smiley, Bill Haydon (Colin Firth) é um sujeito mais despojado. Mesmo sendo membro do alto escalão do MI6, ele aparece fazendo algumas brincadeiras e sempre deixa evidente sua grande atração pelo sexo oposto. Também merece destaque Tom Hardy como Tarr, um agente de campo sobre o qual pairam dúvidas a respeito de sua lealdade, e Benedict Cumberbatch como Guillam, chefe de Tarr e braço direito de Simley.

Embora o filme contenha muitos flashbacks, uma parte para nos mostrar um passado no qual aqueles homens eram mais amigos e mais felizes, estes não comprometem a fluidez da narrativa. Com boas interpretações e uma direção segura, Tomas Alfredson consegue fazer um belo longa, que mostra como seria a vida de James Bond no mundo real.

por Adriano Cardoso

Combo Trailer (15-21 Janeiro) | American Pie: O Reencontro

2012-01-22T02:11:00.000-02:00

Estreia nos Estados Unidos: 6 de Abril // Estreia no Brasil: 20 de Abril

Crítica | A Separação

2012-01-20T16:05:00.002-02:00

Gênero: Drama

Duração: 123 min.

Roteirista: Asghar Farhadi

Diretor: Asghar Farhadi

O cinema iraniano é impressionante. Apesar de contar com poucos recursos técnicos e enfrentando uma forte censura política (o diretor Jafar Panahi foi condenado a ficar 20 anos afastado por supostamente fazer propaganda contra o governo iraniano), os cineastas deste país conseguem produzir verdadeiras pérolas da 7ª arte.

Asghar Farhadi já ganhou o prêmio de Melhor Diretor em Berlim, em 2009, por Procurando Elly, drama que discutia a relação e a honra na sociedade moderna iraniana. Em A Separação, que ganhou o Urso de Ouro em Berlim deste ano (e dois Ursos de Prata para interpretação) e o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro, Farhadi mais uma vez focaliza a vida de uma família classe média iraniana que enfrenta desta vez um doloroso processo de divórcio. A história fala sobre um casal em separação onde a esposa quer deixar o Irã para melhorar a vida de sua filha de onze anos e o marido quer ficar para cuidar do pai que sofre de Alzheimer.

Com um enredo aparentemente simples, mas mantendo uma trama sempre densa e complexa, o filme consegue alcançar um potencial que envolve o público (tanto oriental como ocidental) de maneira arrebatadora. As situações são corriqueiras e atemporais, porém Farhadi constrói o roteiro (e seus personagens) de maneira tão humana e tão abrangente que fica impossível não se impressionar com os vários conceitos que o filme compreende.

Os confrontos são muito bem manipulados e a narrativa, mesmo com a longa duração de 123 minutos, desenvolve-se com uma pulsante provocação apesar de falar sobre assuntos especificamente domésticos. Mas é deste jeito que o diretor consegue driblar a repressão de seu país fazendo uma relação entre a macro e a micro política discutindo o peso das tradições e dos princípios morais muçulmanos baseados no medo, na vergonha, na culpa e no pecado através de personagens que frequentam um cotidiano banal. As mulheres, apesar de lutarem por suas convicções, são retratadas como uma segunda opção pelo sistema legal iraniano que enxerga uma separação, por exemplo, como um desejo mesquinho.

A Separação é um bom exemplo de como unir simplicidade e complexidade numa pequena obra prima de moral desafiadora. O final estarrecedor e ousado recompensa emocionalmente o espectador que sai gratificado do cinema.

por Zeca Seabra

Crítica | As Aventuras de Tintim

2012-01-18T00:11:00.004-02:00

Gênero: Animação, Ação, Aventura

Duração: 107 min.

Roteiristas: Edgar Wright, Joe Cornish & Steven Moffat

Diretor: Steven Spielberg

As obras de Spielberg, desde quando criadas, possuem a característica quase singular de estar voltado a todo o tipo de público, independente de seu caráter. Quando encarnado numa história de aventura, o diretor atinge as crianças de idade e aquelas outras que teimamos em esconder num mundo que nos cobra a maturidade. Entretanto, aqui em As Aventuras de Tintim, assistimos a um Steven com seu controle na mão brincando de vídeo-game num jogo de uma correria de cansar o físico e o emocional e no final das contas, para um diretor que sempre me pareceu ter uma idéia sobre o que o público quer ver, a coisa toda parece uma cobrança de pênalti que foi parar nas arquibancadas.

Embora As Aventuras de Tintim seja um filme sobre um jovem corajoso, tenho que dizer que o longa num todo não passa de um covarde, sem vergonha! Combinamos um programa de férias para nos entreter com família e amigos e pegarmos um bom cinema e nos deparamos com um filme que, mais do que apresentar os defeitos futuramente mencionados, tem a cara de pau de nos colocar no meio de uma correria interminável e nos fazer sair da sala exaustos!

O maior problema com um dos principais representantes da arte das boas aventuras é perder a mão no dinamismo da história e só manter a excelente estética que sempre nos apresentou. A animação em movimento é espetacular: ser preso num navio em alto mar, fugir dele, ficar sozinho a mar aberto, roubar um avião, pousá-lo num deserto, longas perseguições, uma ruptura de uma barragem, inundação, guindastes... ufa! A ação cresce cansativa, uma vez que não para, e o filme torna-se uma sucessão de enfoques deslumbrantes, porém desprovido de sentimentos.

O filme não é um completo desperdício: adequadamente recria os quadrinhos de Hergé, embutido num universo em que as câmeras em movimento nos trás detalhes inteligentes junto a uma trilha sonora perfeita, coerente a cada situação e salvando algumas tomadas de certas calamidades. Mas a ação incessante de Spielberg começa rapidamente a se transformar num produto que pouco podemos nos alimentar, quando hoje felizmente já encontramos um público que exige um pouco mais daquilo que as animações têm a oferecer, sem ser os aspectos sensoriais, mas sim os intelectuais. Portanto, pela clara predominância da ação, vê-se que se as animações progridem a um amadurecimento maior do que filmes de outros gêneros, significando então que usar destes estilos apenas como uma injeção no espectador é um ato retrógrado, falho e talvez infantil.

É óbvio que As Aventuras de Tintim mostra claramente que o que você está vendo nunca poderia ter sido realizado com seres humanos, mas é difícil imaginar um filme em live action sendo este tão cansativo - ou deprimente - na sua incapacidade de gerar magia. E o pior é que tenta isto desde o começo da rodagem. O elenco é sem inspiração, os personagens são infecundos, o senso de aventura é vertiginoso e o seu clímax remete a duas figuras atacando um ao outro com guindastes.

Algo que Spielberg cuidou em seus melhores filmes foi criar expectativa ao desenvolvimento, e para isso aproximava o protagonista do espectador, coisa que não acontece aqui. Não há limites para Tintim e com isso a falta de limitar o heroísmo (como fez com Indiana Jones em Os Caçadores da Arca Perdida e seu medo de cobras) e assim em meio à aventura sempre se deparar com seus maiores pavores, diminui as emoções da história. Há também uma ausência de estudo dramático em cima dos personagens, além de carecer de um equilíbrio entre o suspense e a força narrativa com algum envolvimento emocional. E não preciso nem falar o quanto o ladrão de carteiras em paralelo as aventuras do garoto é inútil e mal aproveitado.

Ainda assim, existem situações em que aparentam uma percepção do diretor mediante aquilo que está faltando na obra, porém não solucionam ou tornam o filme ainda mais fraco. O grande aliado de Tintim é um marinheiro bêbado, cujos impulsos e delírios alcoólatras fornecem a maior parte do suposto humor do filme. Falho. Vê-se também uma tomada de pessoas sendo mortas, jogadas amarradas ao mar, mas que passam rapidamente e assim o filme perde a oportunidade de ajudar na falta de consistência argumentativa que o longa possui com algo mais profundo. Além disso, Steven se toca em exigir de nossa racionalidade após nos fazer fugir de um navio em alto mar, roubar um avião e quase morrer no deserto nas cenas de alucinação do marinheiro, mas que só colabora com a decadência de As Aventuras de Tintim.

E é assim, pela sensação de Spielberg nos dizendo “Eu quero apenas brincar com a nova tecnologia que tenho hoje”, que vejo seu filme como algo bem deprimente e esquecível, que me agradaria se eu quisesse passar duas horas assistindo a um garoto corajoso e seu cão correndo, pulando, voando e nadando em busca de aventuras. Os espectadores estão evoluindo e alvo atrás desse tipo de filme estão ficando extintos. Que Spielberg não se torne um “nerd” com brinquedos novos em mãos e prejudique a qualidade que tinha em nos aventurar quando transformava o artificial em algo tão vivo.

por Alyson Carlos

Tirando do Baú | A Noite do Iguana

2012-01-18T00:07:00.001-02:00

Gênero: Drama

Duração: 125 min.

Roteiristas: Anthony Veiller & John Huston

Diretor: John Huston

John Huston sempre foi um visionário. Assim como Martin Scorsese, que adora desafiar os conceitos cinematográficos, Huston adorava modificar os princípios que Hollywood impunha aos diretores. Filmado num remoto balneário mexicano (Huston adorava o México), esta produção é uma mostra de como o diretor não se encaixava nos padrões americanos. A narrativa é calcada nas reflexões dos personagens, o que evidencia a mudança nos padrões de dramaturgia que Hollywood passaria durante os próximos anos.

Em A Noite do Iguana, baseado numa peça de Tennessee Williams, Huston evidencia sua preferência pelo sistema autoral abordando temas picantes e escandalosos. O texto aborda sexo, maconha, traição, homossexualismo e outras heresias morais, mas não discute, nem aprova os conceitos. Os personagens falam muito (o texto é extremamente verborrágico), mas no fundo são extremamente carentes e incapazes de alguma mudança.

Richard Burton está à vontade no papel do Rev. Shannon. Com sua formação teatral, Burton expõe toda a complexidade do personagem com maestria e sinceridade. Deborah Kerr brilha no papel da artista autônoma Hannah, que é quase uma previsão da vinda da cultura New Age Pop. Ava Gardner impressiona num papel atípico. Sua Maxine é uma mulher emancipada e sexualmente ativa, embora emocionalmente fraca. Ela possui a postura de uma mulher bem atual, trabalhadora e independente, sempre apaixonada por homens errados. Ava anda descalça (numa alusão à A Condessa Descalça), usa roupas larga, e na maioria das vezes está sempre despenteada.

Sue Lyon é a ninfetinha safada que desperta excitação por onde passa. Ela representa a juventude inconsequente e leviana. Grayson Hall (indicada ao Oscar de Atriz Coadjuvante por este papel) faz a "sapatona incubada" Judith Fellowes. Ela é a parte reacionária do texto. Condena, implica e defende o moralismo com ferocidade. Sua personagem representa o "outro lado" que profetiza o término de uma era.

Na sequência final, Richard Burton de cueca molhada mostra seus "dotes" para a platéia indignada. Hollywood estava crescendo e estava cansada de aturar somente os musicais melosos e os dramalhões açucarados. Ponto para a coragem de John Huston.

por Zeca Seabra

Crítica | Tomboy

2012-01-15T13:34:00.001-02:00

Gênero: Drama

Duração: 84 min.

Roteirista: Céline Sciamma

Diretora: Céline Sciamma

"Tomboy" é um termo usado para aquelas meninas que sobem em árvores, jogam bola, correm descalças e são chamadas de molecas pela vizinhança. O termo nada tem haver com a opção sexual, propriamente dita, embora o indivíduo demonstre algum interesse pelas pessoas do mesmo sexo.

Tomboy, dirigido pela francesa Céline Sciamma (que também assina o roteiro), fala até onde vai a experiência dos limites da sexualidade infantil e como isso afeta todos que estão em volta. O filme ganhou o prêmio do público no Festival Mix Brasil e o Teddy Bear (prêmio dedicado a produções gays) no Festival de Berlim.

Na sinopse, Laure (a extraordinária Zoé Héran) é uma garota de 10 anos que se mudou recentemente com os pais e a irmã caçula, Jeanne (Malonn Lévana), para um subúrbio francês. Por causa de seu cabelo curto e roupas masculinas, as crianças da vizinhança, em especial Lisa (Jeanne Disson), a confundem com um menino. Laure aceita a confusão, se apresenta como Michaël e leva uma vida dupla, já que seus pais não sabem de sua falsa identidade.

A similaridade com Minha Vida em Cor-de-Rosa (filme belga de 1997 dirigido por Alain Berliner onde um menino pensava ser uma menina) é evidente, embora o tom adotado pela diretora seja outro. As atitudes de Laure/Michaël possuem uma curiosidade natural, como num rito de passagem onde a criança descobre um novo lado de sua identidade sexual. Não há um julgamento expresso já que o ponto de vista do longa é praticamente focado nos personagens infantis, deixando a trama com um ar leve, sincero e nada dramático, o que facilita a identificação primária. A diretora evita o constrangimento de determinadas situações criadas pelas crianças (há apenas a intenção de um beijo) e o público se surpreende com as artimanhas que Laure encontra para se passar por um menino sem que ninguém desconfie. As nuances psicológicas são extremamente bem exploradas e o que às vezes pode ser encarado com uma “brincadeirinha” (como entende a irmãzinha de Laure) transforma-se em insinuações estranhas na cabeça dos outros.

É um filme sensível e delicado cujo maior mérito é o desprendimento crítico deixando que o espectador tire suas próprias conclusões.

por Zeca Seabra

Combo Trailer (8-14 Janeiro) | Moonrise Kingdom

2012-01-15T13:21:00.000-02:00

Estreia nos Estados Unidos: 25 de Maio // Estreia no Brasil: Sem previsão

Combo Trailer (1-7 Janeiro) | ATM

2012-01-09T14:12:00.000-02:00

Estreia nos Estados Unidos: Sem previsão // Estreia no Brasil: Sem previsão

Crítica | Imortais

2012-01-09T14:03:00.002-02:00

Gênero: Ação, Fantasia

Duração: 110 min.

Roteiristas: Charley Parlapanides & Vlas Parlapanides

Diretor: Tarsem Singh

Depois de 456 milhões como um filme "R" (classificação etária de 17 anos nos Estados Unidos), uma das maiores bilheterias para a faixa etária, até que demorou muito para que alguém ou os mesmos produtores tivessem a idéia brilhante de aproveitar o hype que 300 de Zack Snyder criou e faturar novos milhões com uma possível franquia que seguisse a linha do épico, vindo de uma adaptação da HQ conceituada de Frank Miller. O resultado não beira ao completo desastre, mas está muito longe de impactar em todos os aspectos como 300 impactou.

A história superficial fica por conta do Rei Hipérion que se sente deixado à deriva pelos Deuses em um momento que precisava de suas ajudas e inicia uma busca em torno do mítico Arco de Épiro para liberar os Titãs e vingar-se dos Deuses. O roteiro claramente segue os moldes de 300 e Fúria de Titãs, misturando e distorcendo partes da mitologia grega para se aproveitar do estilo de luta do filme de Zack Snyder, utilizando do clichê de Perseu e construindo aqui também um herói de origem humilde que vai se destacar, enfim se tornará o único capaz de deter a desenfreada anarquia estabelecida pelo vilão e que descaradamente tem um nome tão parecido quanto o protagonista de Fúria de Titãs. De Perseu, agora temos Teseu.

O que o diretor indiano Tarsem Singh parece ignorar durante todo o longa é que seus métodos para fugir das inevitáveis comparações a 300 ou Fúria de Titãs e que suas inspirações para inovar não são necessariamente inovações e sim, uma forma de retalhar o que já foi utilizado por outros realizadores e que julgou interessante o suficiente para utilizar em seu filme. De fato, algumas coisas realmente são, como a sequência de ação protagonizada pelos Deuses que são 100% originadas do game God of War e outra tomada igualmente inspirada em um quadro famosíssimo de Michelangelo, que proporciona uma das imagens artísticas mais sublimes do cinema atual. Mas o problema é exatamente esse: nada é original, já foram vistos, explorados e experimentados. O pouco a acrescentar positivamente ao filme em termos de ambientação e direção de arte é a riqueza de detalhes criado pelo diretor indiano que se sobressaltam perto dos longas de Snyder e Louis Leterrier, porém ironicamente é esta riqueza de detalhes que também expõe o gosto duvidoso de Singh.

É altamente notável o quanto as origens do diretor influenciam sua direção no longa. Em muitos exemplos, o longa se apresenta como um carro alegórico de carnaval, exemplo gritante é o figurino dos Deuses. Eles não podem apenas estarem com armaduras banhadas a ouro fosco (costume indiano de extravagância), eles precisam de capacetes, braceletes e tudo que há de possibilidade de enfeitar o corpo de um ser humano criadas através de um design que definitivamente assusta pela bizarrice em momentos. Os Deuses aqui parecem vindos de Milão numa coleção mal sucedida da Dolce & Gabbana e a exposição de músculos esculpidos, suor e sujeira faz com que os homens parecam mais corajosos e fortes que os Deuses em si. Isso funcionou perfeitamente em 300 com toda a exorbitância de Xerxes, mas aqui é um erro absurdo. Outro erro fica por conta da distorção da mitologia dos oráculos e a tentativa de todas as formas de construírem um par romântico para trazer alguma emoção no terceiro ato, que chega a ser constrangedor com a personagem de Freida Pinto simplesmente parecendo àquelas garotas repreendidas pelos pais que depois da primeira relação com o sexo oposto, ri por todos os cantos, segurando as mãos como se fosse a mulher mais apaixonada do mundo. Lamentável.

Apesar de descrever tudo com certa impiedade, o filme não é um desastre completo. Apesar da estranheza vinda do diretor, o elenco se esforça dentro do possível, há elementos interessantes como o touro, uma criatura humana, mas que encorpa uma fantasia animalesca que impõe certo respeito, alguns caprichos na ambientação como o cenário de luta dos Deuses contra os Titãs, Henry Cavill segura as pontas no papel de protagonista e as sequências de ação, longe de serem originais, aliadas a um 3D sutil tem ótima decorrência nas telas.

O resultado do longa do indiano Tarsem Singh será satisfatório para a grande massa que não busca nada mais que um divertimento onde não se reflete o que assiste, todavia desapontará claramente as pessoas que esperam algo mais original de produtores que até pouco tempo atrás praticamente reinventarão a maneira de fazer épicos e fizeram com que toda a testosterona do público masculino fossem liberadas por tudo que o Rei Leônidas e seus 300 soldados proporcionaram em quase duas horas de filme. A vontade de correr para a academia, comprar uma espada e um escudo e gritar "THIS IS SPARTA!" virou quase um sonho de consumo para os homens. Já Imortais exibe abdomens definidos e coxas torneadas no intuito de embelezar os heróis e não os colocam para fazer jus ao que são.

por Derek Klein

Crítica | Missão: Impossível - Protocolo Fantasma

2012-01-09T13:27:00.004-02:00

Gênero: Ação, Aventura

Duração: 133 min.

Roteiristas: André Nemec & Josh Appelbaum

Diretor: Brad Bird

Após uma trilogia muito bem sucedida, um quarto Missão Impossível a primeira vista pareceu desnecessário e, como de costume, um comum golpe de marketing de Hollywood para faturar milhões com o nome da conhecidíssima franquia. Tom Cruise não parecia a princípio tão empolgado com a idéia de um quarto filme e, no fim, a idéia de fazer um novo longa expandindo a história de Ethan parecia apropriada com tanto que ele pudesse passar seu "legado" para outro espião, o onipresente Jeremy Renner (que curiosamente substituirá também Matt Damon na franquia Bourne). A saída de Brad Bird das animações para o live action, a primeira vista, foi temida pelo fracasso de não dar conta de estabelecer o fôlego que Missão: Impossível - Protocolo Fantasma necessitava para despertar o interesse do público para uma nova trilogia. O resultado felizmente foi surpreendente e muito satisfatório, onde Bird entrega aqui provavelmente o melhor M:I.

Na trama, Ethan Hunt (Cruise) é acusado de um atentado terrorista contra a Rússia, onde suas atitudes são consideradas dignas de um conflito que pode causar a terceira guerra mundial. Virando inimigo do estado, Hunt terá que se virar por seus meios para impedir que uma guerra se inicie e provar a sua inocência. A premissa simples rende mais que o esperado e traz ares novos à franquia, um deles é a adição de um humor muito bem vindo que em nenhum momento compromete o desenvolvimento do filme, ao contrário, faz que com o longa não se leve a sério demais e garanta uma diversão de muito bom gosto para o espectador em busca do melhor nível de ação, que aliás é algo que não poderia faltar.

No longa do diretor de Ratatouille e Os Incríveis, as sequências de ação são magistralmente orquestradas com tomadas de perder o fôlego, a já famosa sequência filmada em Dubai é para ser vista preferencialmente na maior tela que você puder encontrar e assim como J.J. Abrams, Bird desenvolveu um longa de novos horizontes sem perder a essência da franquia. Aqui, o título "Missão Impossível" nunca fez tanto jus ao nome.

O elenco possui ótimo entrosamento, destaque para Simon Pegg que possui ótimos momentos em tela, Tom Cruise que traz o necessário para o personagem icônico e Paula Patton que cumpre o que se espera da personagem, assim como todo o elenco que não deixa a desejar. A minha única ressalva é saber o que motiva os produtores de Hollywood a acreditar que Jeremy Renner possui todos os requisitos necessários para sustentar não apenas uma, mais três enormes franquias onde os personagens são movidos exclusivamente pela ação, cujo papéis heroicos necessitam de um cara com imagem icônica para fazer com que o público acredite que tudo aquilo pode ser possível. Renner recentemente completou 41 anos e apesar de ter feito bons papeis em ótimos filmes como Atração Perigosa e Guerra ao Terror e ter desempenhado um bom papel agora no quarto filme da franquia, ele nem de longe tem fôlego para substituir Tom Cruise, Matt Damon (Trilogia Bourne) e de quebra ser um super herói em Os Vingadores. Vamos aguardar para ver até onde a surpresa será negativa ou positiva.

A surpreendente estréia de um diretor que dedicou a carreira toda às animações foi marcada por dar o respiro necessário que a franquia precisava para engatar uma nova trilogia e entregar uma diversão de primeira aos expectadores que não desgrudarão da cadeira nos 133 minutos de projeção.

por Derek Klein

Crítica | Cavalo de Guerra

2012-01-05T15:15:00.003-02:00

Gênero: Drama, Guerra

Duração: 146 min.

Roteiristas: Lee Hall & Richard Curtis

Diretor: Steven Spielberg

Steven Spielberg dispensa apresentações. Dono de um estilo que atinge em cheio o coração das massas populares, o diretor é capaz de transformar o simples em algo grandioso e eloquente. Mas desde o fiasco de bilheteria (e da crítica) do quarto episódio de Indiana Jones (Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal), o diretor não apresenta nenhum trabalho convincente ou expressivo.

Em 2011, ele assumiu a direção de dois imponentes projetos: dar vida ao clássico personagem dos quadrinhos de Hergé - As Aventuras de Tintim - e adaptar o dramático livro de Michael Morpurgo, "Cavalo de Guerra", cujo roteiro também gerou uma peça homônima de sucesso internacional que chega aos palcos da Broadway em 2012.

O filme narra, em tons épicos, a amizade entre o cavalo Joey e o garoto Albert (o novato Jeremy Irvine). A história tem como pano de fundo a Inglaterra rural durante a primeira Guerra Mundial e todas as dificuldades acarretadas por este período. Os personagens são apresentados através dos vários segmentos da história, cada um com sua elaboração própria, à medida que a guerra se aproxima.

Optando inteligentemente por um elenco quase desconhecido com exceção de Emily Watson, David Thewlis e Peter Mullan (cujas participações são coadjuvantes) e apoiado numa excelente equipe técnica, o filme nos cativa pelas belíssimas paisagens captadas pelas lentes do exímio fotógrafo polonês Janusz Kaminski - colaborador habitual de Spielberg - embora não provoque nenhuma outra abordagem para além do comovente invólucro dramático tão frequente nos filmes do diretor.

Spielberg, a esta altura, já deveria ter maturidade suficiente para apresentar épicos mais adultos e menos piegas. Tecnicamente deslumbrante, Cavalo de Guerra peca pelo fraco desenvolvimento de sua dramaturgia repleta de excessos melosos, embalada pela trilha açucarada de John Williams (que também anda devendo um trabalho à altura) composta com a única intenção de emocionar o público na hora certa. As enaltecedoras mensagens de coragem e determinação ficam mais acentuadas pelos tons épicos e audaciosos que lembram bastantes os espetaculares filmes de David Lean, diretor de Doutor Jivago e Lawrence da Arábia, embora sem a mesma pujança.

Os roteiristas Lee Hall e Richard Curtis seguem direitinho o manual do roteiro, impregnando cada segmento com elipses e culminâncias em doses exatas. O resultado final é ineficaz, pois cria uma "mise-en-scène" muito demarcada com personagens recitando frases de efeito e lançando olhares de esguelha. Outro detalhe, que faz uma enorme diferença, é a intenção de não incomodar a platéia com cenas repugnantes ou constrangedoras evitando a todo custo exibir imagens fortes para atender a demanda de um mercado familiar. Desta maneira, cenas como um simples parto de um cavalo até os horrores de uma guerra são apenas insinuados.

Mas mesmo com todos estes excessos e falhas, Cavalo de Guerra é Spielberg em estado bruto. As tomadas de câmera, os enquadramentos suntuosos e a esplêndida fotografia lhes conferem uma estrutura própria que resulta numa perfeita combinação típica das grandes sagas do cinema (cujo clímax final fotografado em tons avermelhados com potentes filtros lembra uma famosa sequência de ...E o Vento Levou).

É mais um blockbuster de apelo dramático feito para transformar-se em um sucesso de público que não exige maiores interpretações para além do que se vê na tela.

por Zeca Seabra

Crítica | Alvin e os Esquilos 3

2012-01-05T15:03:00.001-02:00

Gênero: Animação, Comédia

Duração: 87 min.

Roteiristas: Glenn Berger & Jonathan Aibel

Diretor: Mike Mitchell

Os esquilos cantantes estão de volta! Este terceiro exemplar da franquia envolvendo esquilinhos fofinhos repletos de suingue parece apresentar um fôlego especial. Dirigido por Mike Mitchell (o mesmo de Shrek Para Sempre), Alvin e os Esquilos 3 mantém sua estrutura inocente (com milhões de referências ao universo infantil) embora acrescente algumas doses certas de deboche atualizando uma trama que lembra Os Goonies.

Desta vez os esquilos e as esquiletes embarcam em um luxuoso cruzeiro de férias com seu dono-tutor, Dave (Jason Lee). Aproveitando para se divertir, eles fazem todos os tipos de estripulias pelo navio até que durante uma brincadeira envolvendo uma asa delta, o grupo acidentalmente cai para fora do barco e acaba perdido em uma ilha remota que esconde perigosas aventuras.

Apesar de fugir completamente do contexto inicial onde a música tinha uma participação ativa na história, este filme é uma boa opção para atrair a atenção da molecada que vai ao cinema em tempos de férias (mesmo que não tenha visto os dois primeiros filmes). A trama é movimentada e agitada o suficiente para encantar até mesmo os adultos que irão se divertir com algumas engraçadas referências, especialmente uma envolvendo o filme Náufrago (aquele com Tom Hanks).

Mike, sabiamente, subtrai na maioria das sequências a participação de atores humanos, deixando o público se divertir com as habilidades dos bichinhos cativantes que tem um incrível carisma. O principal oponente dos esquilos é uma caçadora meio maluca, Zoe (interpretada por Jenny Slate), cuja maldade limita-se à insana busca de um tesouro perdido na ilha.

O ritmo é ágil e não perde tempo com romances açucarados nem manipulações envolvendo culpa e auto piedade (tão comum em filmes infantis). A história oferece uma reflexão, ainda que pequena, sobre a importância do contato com a natureza e a capacidade de perceber até onde os limites podem ser ultrapassados, deixando a garotada (e os pais) plenamente satisfeitos com o resultado final.

Alvin e os Esquilos 3 certamente não chega aos pés das atuais animações gráficas repletas de ironia e mega efeitos especiais, aliás nem tem a pretensão disso, mas é um programa inofensivo perfeito para as férias de verão.

por Zeca Seabra

Combo Trailer [Russo] (25-31 Dezembro) | Os Vingadores

2012-01-01T13:06:00.001-02:00

<a href='http://video.ru.msn.com/?mkt=ru-ru&vid=0bc0d65f-99c7-44a2-825e-d914178c7cce&from=RURU_msnvideo_embedd&src=FLPl:embed::uuids' target='_new' title='Мстители' >Видео: Мстители</a>

Estreia nos Estados Unidos: 4 de Maio // Estreia no Brasil: 27 de Abril

Combo Trailer (17-24 Dezembro) | O Hobbit: Uma Jornada Inesperada

2011-12-25T00:02:00.002-02:00

Estreia nos Estados Unidos e Brasil: 14 de Dezembro de 2012

Crítica | Gato de Botas

2011-12-24T16:39:00.007-02:00

Gênero: Animação, Aventura
Duração: 90 min.
Roteirista: Tom Wheeler
Diretor: Chris Miller

Quando não há mais histórias "novas" para se continuar uma franquia, a nova moda - junto com as refilmagens tanto faladas - são os filmes de origem que, mesmo todos sabendo o que acontecerá no final, sempre são umas surpresas de se assistir. X-Men: Primeira Classe, Planeta dos Macacos: A Origem, entre outros são prova disso. No entanto, o que se pode fazer para criar algo em volta de uma história tão desgastada? Simples: bote um dos melhores personagens coadjuvantes dela como foco principal, acrescente um 3D esplêndido e pronto, temos Gato de Botas, filme derivado da quadrilogia do ogro Shrek.

A animação conta a história do felino mais ousado, audaz e valente do mundo, desde sua infância no orfanato de San Ricardo, onde conheceu seu ex-melhor amigo Humpty Dumpty, até os acontecimentos que todos nós conhecemos. Aqui, o Gato de Botas é procurado pelas autoridades após ser enganado e assaltar o banco de sua pequena cidade. Em sua tentativa de fuga, ele descobre que o mito dos feijõezinhos mágicos de João, o qual ele procura pela sua vida toda, são verdadeiros. Após tentar roubá-los de Jack e Jill (João e Maria), ele conhece a bela Kitty Pata Mansa e se reencontra com Humpty, que juntos também tentam recuperá-los. A partir daí, os três entram em uma grande jornada em busca dos feijões e da Galinha (neste caso, gansa) dos Ovos de Ouro.

A ação, como se percebe, é constante e ocupa grande parte da projeção com enormes momentos de aventura. A história é deixada um pouco de lado para se focar mais na vida do personagem homônimo e em suas lutas empolgantes, que se tornam mais extasiantes também graças ao 3D. Aliás, o 3D aqui é utilizado com perícia, sem coisas jogadas em sua cara constantemente e que funciona como há tempos não víamos, além de ser sempre legal quando a câmera se movimenta pelo deserto em plano aberto ou os momentos de dança latina, que quase sempre terminam com o engraçado gato surpreso (referência clara ao The OMG Cat, sucesso do YouTube).

Por falar em latino, fica estampado desde o começo a mistura que Gato de Botas é entre o grande herói espanhol Zorro - coincidência ou não, já vivido por Antonio Banderas (dublador do Gato) - com uma pitada de humor fraco. Os engraçaralhos geralmente não tem graça, e por sorte são poucos. Felizmente, isso não atrapalha a narrativa que em certos momentos tem ar de western, como reparado nas cenas em que o Gato junto com seu cavalo saí em busca de seus amigos em um deserto escaldante, onde a tela o mostra por diversos ângulos e em câmera lenta.

No entanto, mesmo com toda a ação e uma trama até aqui bem contada, o final chega a ser decepcionante e muito "infantil", estragando um pouco o grande clímax, todavia entregando às crianças uma lição de moral no maior estilo Disney. A dublagem nacional também é um ponto fraco. Enquanto João e Maria são conhecidos como Jack e Jill, o que pode ser uma estranheza para o público juvenil que nunca ouviu falar de tais pessoas, o dublador de Shrek em Shrek Terceiro e Shrek Para Sempre empresta sua voz a um dos vilões, o que mostra um trabalho um tanto quanto pernicioso do estúdio de dublagem responsável.

Apesar de tais defeitos, Gato de Botas é bem divertido e conquista logo o público quando o Gato solta seu olhar manhoso, se tornando assim mais uma grata surpresa nesses novos filmes de origem. Mas aí fica a pergunta: se o Gato já conquistou seu filme solo, quando o Burro ganhará um também?

por Vinícius Ebenau

Pintando o Set | Natal

2011-12-23T20:24:00.004-02:00

Nada combina mais com o Natal em família que assistir a filmes sobre essa celebração! Sempre nessa época surgem dezenas de filmes que objetivam despertar o amor, a compaixão e a fraternidade em nossos corações, sentimentos comuns nessa época.

É bem verdade que a grande maioria destes lançamentos são basicamente comerciais e descartáveis, então separei três filmes que tem temáticas bem variadas: uma comédia e dois dramas, com abordagens e objetivos diferentes.

Vamos lá?

Papai Noel às Avessas (Bad Santa, 2003)

Billy Bob Thornton dá vida a Willie, um sujeito que trabalha temporariamente como Papai Noel em algumas lojas para roubá-las junto com seu parceiro Marcus (Tony Cox). Wilie é um sujeito mulherengo, bêbado e espontâneo que volta e meia solta palavrões às crianças. Seus vícios colocam cada vez mais em risco seu “trabalho” com Marcus, que se veste de anão ajudante, até que ele conhece Thurman Merman (Brett Kelly), um garotinho solitário e que apesar de tudo acha mesmo que o sujeito é o Papai Noel de verdade.

Recheado de humor negro, e com cenas engraçadíssima, esse filme nos prende do começo ao fim. Thornton está excepcional, e exibe um magnífico timing cômico. Por mais indesejável que seja, o sujeito desperta nosso carisma e torcemos pelo seu sucesso.

Além de risadas, esse filme nos leva ao espírito do Natal de um certo ponto de vista. Só não é recomendado às crianças, que podem começar a ver seu querido Papai Noel de outra maneira...

Feliz Natal (2008)

Estréia de Selton Mello como diretor. Um filme que mostra uma família em crise na véspera e durante o Natal.

Começamos acompanhando Caio (Leonardo Medeiros), um homem amargurado pelo que fez no passado. Ele resolve visitar sua família durante a noite de Natal. O desgosto está em todo lugar da história. Pai que não fala com irmão, uma mãe viciada em remédios (Darlene Glória numa performance espetacular, que rouba quase todo o filme), casais que vivem de aparência, etc.

Selton Mello abusa de closes, que ajudam a mostrar melhor as expressões dos atores e tornam as cenas “sufocantes". Entretanto, acabam sendo um pouco cansativos e o cineasta perde a oportunidade de explorar melhor algumas locações com planos mais abertos, por exemplo, o ferro velho mostrado no início da projeção.

Com um grande elenco, o filme conta ainda com a presença de Paulo Guarnieri, Lúcio Mauro e a sempre linda Graziella Moretto. Este filme pesado e difícil trata de sentimentos, rancores e lembranças amargas. Como resultado, demonstra a grande capacidade de seu diretor, o talento do seu elenco e como a vida poder ser mais infeliz.

Feliz Natal (Joyeux Noël, 2005)

Baseado em fatos verídicos, esta obra produzida numa parceria francesa, alemã, britânica e romena conta a história de combatentes da 1ª guerra mundial que acordaram uma trégua durante o Natal.

O início do filme é assustador: um garoto francês, seguido por um britânico e um alemão, fazem um discurso de patriotismo e ódio contra o inimigo de seus países. A guerra é tratada de forma imparcial: não existem heróis ou vilões, todos são tratados como vítimas. Observamos os franceses e britânicos, assim como seus inimigos, os alemães. Seus anseios, recordações e esperanças.

O clímax do filme acontece na noite de Natal. Alemães, britânicos e franceses estão entrincheirados muito próximos uns aos outros. Um alemão, que antes da guerra era cantor de ópera, canta uma música para motivar sua tropa. Alguns escoceses ouvem, e com gaitas e outros instrumentos começam a acompanhá-lo. Num ato ousado, o alemão sai de sua trincheira e vai cantando na direção dos inimigos. Todos ficam assustados sem saber o que vai acontecer. É curioso e maravilhoso ver a aproximação de homens diferentes, que até então eram direcionados a matar uns aos outros.

Esta obra mostra o real espírito de Natal. Os homens celebram juntos este momento, independente da religião. Não estão em busca de fé. Buscam conforto e um pouco de paz, e recuperam sua humanidade perdida naquele pesadelo.

È bem verdade que o filme cai um pouco no seu terceiro ato. O diretor Christian Carion escolhe não nos mostrar como os homens encaram a guerra depois da experiência pela qual passaram, e tenta deixar os espectadores mais felizes. Independente deste detalhe, é um trabalho a ser elogiado. Mais do que recomendado para ser visto nessa época, principalmente para aquelas pessoas pessimistas que ficam tristes no Natal por não terem a vida que queriam ou não terem ganhado os presentes desejados.

Um Feliz Natal para todos e uma ótima passagem de ano!

Bons filmes e até o ano que vem!

Escrito por Adriano Cardoso.

Crítica | Roubo nas Alturas

2011-12-21T14:30:00.002-02:00

Gênero: Ação, Comédia

Duração: 104 min.

Roteiristas: Jeff Nathanson & Ted Griffin

Diretor: Brett Ratner

A crise norte americana parece que veio para ficar. No cinema, até as comédias que antes preferiam falar de adolescentes em ebulição sexual, casamentos bagunçados ou bebedeiras entre amigos terminando em cenas escatológicas (ao estilo dos irmãos Farrelly) estão flertando com o tema caótico que praticamente apavora os cidadãos americanos acostumados a não passarem necessidades.

Roubo nas Alturas, dirigido por Brett Ratner (X-Men 3 - O Confronto Final), fala desta crise adotando uma postura bem humorada e repleta de boas intenções. O tema é bem atual, pois o filme estreou no auge do movimento Occupy Wall Street - manifestação contra a crise econômica do país -, o que gerou uma grande curiosidade do público alvo (que, por sinal, são os que lotam os cinemas norte-americanos).

Na sinopse, um grupo de funcionários de um prédio de luxo, liderados pelo gerente Josh Kovacs (Ben Stiller), revoltados por terem sofrido um golpe financeiro de um cínico milionário de Wall Street, Arthur Shaw (Alan Alda), resolvem roubar o apartamento dele para recuperar o dinheiro aplicado. O filme tem como chamariz a volta de Eddie Murphy (que também é produtor) ao patamar das comédias ligeiras e inteligentes, mas sua participação não possui o mesmo brilho de outrora. Sua voz está tão diretamente ligada ao burro falante da animação Shrek que fica impossível dissociar um do outro. Além do mais, Eddie transformou-se numa paródia de si, repetindo as mesmas caretas que o fizeram famoso.

O verdadeiro trunfo desta produção é apostar nos roteiristas Ted Griffin e Jeff Nathanson (ambos especializados em paródias de ação) que foram espertos suficientes para prender a platéia com uma trama recheada de gags visuais mesclando comédia e drama na dose certa e sem apelar para obscenidades tão freqüuntes do gênero. Na verdade, o público se diverte por causa da enorme identificação com o grupo de anti-heróis (porteiros, empregados, gerentes, etc.) que apenas querem reaver aquilo que lhes foi roubado (quase a mesma situação vivida pela classe média norte-americana). A produção ainda conta com um carismático elenco (com a participação da obesa Gabourey Sidibe de Preciosa - Uma História de Esperança) e uma excelente equipe de produção técnica apresentando lindas panorâmicas de Nova Iorque, especialmente a da parada de Ação de Graças pelo Central Park e adjacências.

Roubo nas Alturas não traz nenhuma mudança significativa para o gênero, mas pelo menos tira sarro de um momento perigoso e decisivo de um país acostumado a ser rico e poderoso. O que já é uma grande diferença.

por Zeca Seabra

Crítica | A Coisa

2011-12-21T13:52:00.007-02:00

Gênero: Ficção científica, Suspense

Duração: 103 min.

Roteirista: Eric Heisserer

Diretor: Matthijs van Heijningen Jr.

"Refilmagem" já se transformou num gênero específico em Hollywood. A falta de idéias dos roteiristas impulsiona o mercado a reciclar antigas produções utilizando toda a tecnologia e aparato técnico disponível. Algumas dão certo, outras não. No caso de A Coisa, há outro grande problema. Esta é terceira refilmagem da história criada por John W. Campbell onde um alien ataca pesquisadores em uma remota estação na Antártica. A primeira é de 1951, intitulada O Monstro do Ártico, produção B pouco vista típica dos anos 50. A segunda é mais famosa: O Enigma do Outro Mundo (1982), dirigido pelo mestre John Carpenter e considerado um perfeito Cult até hoje.

A difícil empreitada de fazer uma terceira releitura caiu nas mãos do diretor estreante Matthijs van Heijningen Jr. que usa e abusa de todos os clichês do gênero (ficção de suspense) amparado por uma competente equipe técnica de efeitos especiais impressionantes. Este filme é, na verdade, uma prequência da história filmada por Carpenter, uma vez que os produtores acharam desnecessário refilmar um trabalho tão primoroso.

Aparentemente não há mudanças radicais no roteiro original. A paleontóloga Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) viaja à Antártica onde uma expedição de noruegueses, liderados pelo Dr. Sander Halvorson (Ulrich Thomsen), encontram uma aeronave alienígena enterrada no gelo. Num experimento, uma coisa acaba se libertando de um bloco de gelo espalhando terror por toda a equipe.

A premissa de um grupo de pessoas confinadas em um espaço qualquer à mercê de uma ameaça mortal não oferece espaço para que Matthijs dê um passo além do que é necessário, mantendo a direção no piloto automático e apresentando sequências muito parecidas do clássico Alien, o Oitavo Passageiro de Ridley Scott. O diretor até se sai muito bem driblando a falta de recursos criativos de uma história manjada e conhecida e manipula como pode os estereótipos do gênero, aumentando o som em algumas sequências para assustar o espectador.

O público, já acostumado aos batidos recursos de tensão, quase não se surpreende com as óbvias reviravoltas da história e fica apenas na expectativa de quem será o próximo infectado, uma vez que o alien tem poder de se transformar em todo ser humano que toca. Esta versão torna-se então um programa despretensioso com a única intenção de entreter e divertir a platéia por 103 minutos sem grandes promessas.

por Zeca Seabra

Obs: Durante os créditos finais, há uma importantíssima sequência que só vai fazer sentido para aqueles que viram o filme de 1982.

Crítica | As Canções

2011-12-18T21:09:00.001-02:00

Gênero: Documentário

Duração: 90 min.

Diretor: Eduardo Coutinho

Eduardo Coutinho é um dos maiores documentaristas brasileiros da atualidade e dono de um estilo próprio. Seus filmes são verdadeiras aulas antropológicas que conseguem explorar aquela parte intocável de todo ser humano. Seu mais recente trabalho, As Canções, mantêm a mesma estrutura de Jogo de Cena, onde o entrevistado fica defronte a uma câmera estática, com um fundo neutro, contando fragmentos de sua vida.

Com uma premissa muito simples, Coutinho (sempre em off) atua como uma espécie de cineasta terapeuta solicitando que 14 entrevistados cantem suas canções preferidas e expliquem por que tais músicas têm importância em suas vidas. A simplicidade do formato se desdobra em uma incrível jornada sobre a complexidade humana, incrementado pelas canções cantadas à capela com muita emoção (todas de repertório nacional). O resultado é sentido pelo espectador que se encanta com os impressionantes e comoventes depoimentos regados com muita mágoa, desilusão, dor, raiva e saudades narrados como se fosse uma catarse íntima.

Coutinho tem a habilidade de transformar pessoas simples em personagens excepcionais e conduz o filme com a astúcia de não interferir e nem provocar as emoções nos entrevistados. Um celular que toca repentinamente, no meio de um depoimento, transforma-se numa situação de extrema espontaneidade que reflete este compromisso e respeito com o ser humano.

O público percebe nitidamente quando a emoção fala mais alto que a razão ao reconhecer a sutil mudança nas expressões faciais e na imagem corporal dos entrevistados captada pelas lentes sinceras de Coutinho. As declarações contagiam o público que reage com gargalhadas ou lágrimas nos olhos.

Definido pelo próprio diretor como "uma coleção de histórias de amor", As Canções é um delicado e sensível trabalho de um cineasta que entende que o ser humano é o melhor material que o cinema pode ter.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (9-16 Dezembro) | Homens de Preto 3

2011-12-17T14:20:00.000-02:00

Estreia nos Estados Unidos e Brasil: 25 de Maio de 2012

Combo Trailer (1-8 Dezembro) | Madagascar 3: Os Procurados

2011-12-09T02:12:00.002-02:00

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Estreia nos Estados Unidos: 8 de Junho de 2012 // Estreia no Brasil: 15 de Junho

Crítica | Os Muppets

2011-12-08T23:20:00.002-02:00

Gênero: Comédia, Musical

Duração: 103 min.

Roteiristas: Jason Segel & Nicholas Stoller

Diretor: James Bobin

Quem tem mais de 40 anos lembra exatamente do grande charme que era assistir o show d'Os Muppets na televisão. Eram esquetes muito engraçadas comandados pelo sapo Caco (agora Kermit) sempre as voltas com o assédio de Miss Piggy, uma porca muito louca e mandona apaixonada pelo sapo. Os bonecos eram manipulados como marionetes, mas tinham uma personalidade impressionante.

A Disney, então, comprou os direitos sobre Os Muppets e os adaptou ao seu mundo mágico de felicidade eterna que fez sucesso nos anos 40/50 e 60. Os Muppets tenta resgatar a magia de outrora trazendo de volta toda a equipe de bonecos do antigo programa. Infelizmente, o longa-metragem é bastante infeliz em sua proposta e não traz absolutamente nada de novo ao universo infantil, além das mensagens enojadinhas de "acredite em seu sonho que ele se tornará realidade", etc. Tudo é na base do tatibitate infantilóide e os coitados d'Os Muppets viram coadjuvantes num filme com um elenco ruim e desengonçado.

A direção do desconhecido James Bobin (em seu primeiro longa) é fraca, sem estímulo e arruinada pelo roteiro boboca escrito por Nicholas Stoller e Jason Segel (que atua no filme como par romântico de Amy Adams!!!). Ele intercala a trama com números musicais sem graça que constrangem o público infantil apresentando um visual retrô que lembra as débeis paradas da Disneylândia.

As características engraçadas desta trupe de bonecos são deturpadas em função de um enredo triste e meloso onde Kermit (Caco) vira um lamentável sapo ultrapassado em seu timing de piadas e Miss Piggy é ridiculamente transformada numa versão “socialite patricinha” sem o charme da proposta original.

O filme arrasta-se até seu óbvio clímax final deixando crateras abertas em seu frágil roteiro de ares disneyano. Sinceramente? Os Muppets mereciam um retorno melhor do que este.

por Ricardo Pinto

Pintando o Set | Continuações

2011-12-07T21:14:00.005-02:00

Quantas vezes assistimos a um filme e ficamos com a sensação de “quero mais”? Pode ser que os personagens tenham nos cativado ou o lugar fosse interessante e despertasse a vontade de que outras tramas ocorressem nele. Talvez o universo apresentado no filme seja rico e nos faça imaginar o que mais ocorre ali. De todo jeito queremos mais! Então ficamos com a esperança de um novo projeto, que nos mostre mais, ou seja relativo àquilo que nos cativou. Mas será que isso é uma coisa boa?

Em primeiro lugar não podemos confundir continuações com obras divididas em capítulos (leia-se saga, trilogia, quadrilogia, etc.) É o caso de filmes como O Senhor dos Anéis e Star Wars, que foram criados com a consciência de que sua história seria contada através de uma seqüência esquematizada de filmes.

Pôster de Star Wars Episódio V: O Império
Contra-Ataca de 1980, segundo capítulo
da 1ª trilogia de Star Wars

Há uma diferença muito grande entre algo planejado e uma franquia que surge a partir do sucesso de um projeto, vide Pânico, American Pie, Sexta-Feira 13 e tantos outros. Nestes casos, a qualidade das continuações tende a piorar mais e mais, uma vez que os criadores são obrigados a repetir uma formula que fica mais batida a cada filme, fazendo com que tanto o material novo como o original percam força e qualidade.

Existem muitas razões para os estúdios darem continuidade a um filme. Infelizmente, na maioria das vezes, isto é feito com base no lucro que ainda pode ser extraído do material original. Exemplos assim não faltam: vejamos o caso de Se Beber, Não Case!. O filme trazia personagens engraçados numa comédia que fluía de maneira muito orgânica, com surpresas e momentos divertidos a sua maneira. Teve ótima bilheteria e boa aceitação da crítica, lançando os atores Bradley Cooper e Zach Galifianakis, desconhecidos a época. Então veio sua primeira continuação. Filmada na Tailândia, esta tinha exatamente o mesmo formato do anterior, em situações mais apelativas e menos engraçadas (também porquê muito daquilo era cópia do original, de uma forma geral uma repetição do que já havíamos visto). Comentei que já está em pré-produção uma nova seqüência?

Sem pensar muito, qualquer um de nós se lembra de um filme que gostou e cuja continuação não chegou nem perto do original. Buscando rapidamente na memória, temos Entrando Numa Fria Maior Ainda, Rambo II - A Missão e Hannibal (continuação do maravilhoso O Silêncio dos Inocentes)

Tropa de Elite 2 foca um lado diferente do primeiro filme,
mais tenso dramático e profundo.

De uma forma geral, continuações sempre são piores do que o filme principal, ,as é claro que também temos casos onde a sequência é melhor. Embora Batman Begins seja muito bom, sua continuação Batman - O Cavaleiro das Trevas é bastante superior. Nesse caso, muito se deve a trama do primeiro, que precisa gastar um bom tempo de projeção focando a história do protagonista, e também a construção da aproximação do público ao mesmo. E muito do sucesso do segundo filme se deve a seu antagonista, o Coringa, complexo, intrigante e interpretado com maestria por seu intérprete Heath Ledger, que faleceu na pós-produção do longa.

Outros bons exemplos de continuações são Tropa de Elite 2 e Homem-Aranha 2. O segredo para o sucesso das continuações é explorar outros aspectos das histórias e do universo das obras originais. Também é importante que o filme funcione sozinho, para o espectador que não assistiu ao anterior.

Se Beber, Não Case! Parte II, nada engraçado,
diferente do original.

Repetir uma formula já empregada normalmente leva ao fracasso. Novamente o que vem a minha mente é Se Beber, Não Case! Parte II, mas também temos Missão Impossível 2 e uma porção de outros projetos.

Em contrapartida, posso falar da continuação de Tropa de Elite, cujo sucesso reside justamente no fato de José Padilha explorar outro lado da história, eximindo um pouco a violência do primeiro filme e focando mais na política e no jogo de poder que permeia a trama.

Então, o melhor a fazer é torcer pra que aquela história que tanto nos agradou tenha uma continuação, contanto que faça jus à original e conte com profissionais interessados que vão dar a ela o valor que o público deu, de forma que possamos ter mais daquilo mas sem abandonar a qualidade!

Continuamos ano que vem...

Escrito por Adriano Cardoso.

Combo Trailer (25-30 Novembro) | O Babá(ca)

2011-12-01T18:24:00.001-02:00

Estreia nos Estados Unidos: 9 de Dezembro // Estreia no Brasil: 27 de Janeiro de 2012

Tirando do Baú | A Guerra do Fogo

2011-11-30T12:52:00.001-02:00

Gênero: Aventura, Drama

Duração: 100 min.

Roteirista: Gérard Brach

Diretor: Jean-Jacques Annaud

O esboço que Kubrick traçou em seu prólogo de 2001 - Uma Odisséia no Espaço está completamente detalhado neste manifesto de Jean-Jacques Annaud sobre o percurso da vida.

A Guerra do Fogo é uma arrojada co-produção (França/Canadá/Estados Unidos) que demonstra, através de belíssimas imagens, como a evolução do homem mudou muito pouco em 80.000 de anos. Ou seja, apesar de toda evolução evidente, continuamos a buscar a nossa mais profunda e básica ambição que é a satisfação do nosso desejo.

Jean-Jacques narra a pré-história humana através dos expressivos movimentos corporais que os atores incorporam com uma impressionante facilidade. A ausência de diálogos não faz falta e é a prova perfeita de que o corpo não precisa de palavras. Ele fala por si só.

A narrativa linear fala basicamente de uma tribo bem primitiva que vive basicamente dos seus instintos. Quando é atacada por outra tribo e perde a guarda do fogo (considerado bem vital para a sobrevivência), ela fica à mercê de todas as intempéries da natureza e dos inimigos. Três nativos saem em busca do fogo, sem ter a mínima noção de como e onde encontrar. No meio deste percurso eles vão entrando em contato com elementos novos que irão incorporar à sua tribo e assim trazer a evolução e o crescimento.

O conhecimento de novas técnicas a descoberta de outras opções trazem aos nativos um novo olhar sobre a sua condição humana. O filme analisa os comportamentos do homem numa nova perspectiva, tirando-os de um patamar primitivo para uma evolução maior.

A trilha sonora de Philippe Sarde (Tess) tem um papel importantíssimo na narrativa, trazendo ao espectador a emoção de cada cena. O gestual dos atores foi coreografado por Desmond Morris e o autor de Laranja Mecânica, Anthony Burgess, é responsável também pela linguagem deste filme.

A Guerra do Fogo é um interessante estudo sobre o inicio da revolução social e gera, no ser humano, um profundo conhecimento sobre nossa civilização.

por Ricardo Pinto

Crítica | A Saga Crepúsculo: Amanhecer - Pt 1

2011-11-26T12:34:00.018-02:00

Gênero: Ação, Romance

Duração: 117 min.

Roteirista: Melissa Rosenberg

Diretor: Bill Condon

Atenção: a seguinte crítica contém spoilers [revelações] sobre a trama do filme, por isso, se você quer e ainda não o assistiu (e nem leu o livro no qual se baseia), a leia por sua propria conta e risco! Caso contrário, continue e se divirta. =]

A Saga Crepúsculo é mesmo um fenômeno. Percebam: a franquia tem um número de odiadores infinitivamente maior do que sua enorme legião de fãs (simplesmente malucas e xiitas) e ficou famosa justamente pelas pessoas que a detestam. Parece impossível, mas é o que acontece em uma trama que envolve um triângulo amoroso com um "vampiro" assexuado, uma menina psicótica e um lobisomem ciumento. Felizmente isso já está terminando com A Saga Crepúsculo: Amanhecer - Parte 1, penúltimo filme dessa história.

Para resumir o que acontece, Bella (Kristen Stewart com sua cara atípica normal) e Edward (Robert Pattinson, forçando emoções) se casam, viajam até o Rio de Janeiro, fazem sexo (Edward parece fugir ao máximo disso como o Diabo foge da cruz), Bella fica grávida, Jacob (Taylor Lautner tentando ser um bom ator) fica sabendo, conta para sua matilha e depois se revolta, pois seus "irmãos" querem matar Bella e salvar a cidade de Forks de um possível monstro. Eu não entendo porque ele foi contar algo assim para todos se já sabia o que, possivelmente, iria acontecer, mas tudo bem.

Continuando, Jacob muda de time e tenta ajudar os Cullen, Bella fica totalmente fraca e precisa beber sangue para sobreviver, Edward fica com remorso, a bebê nasce arrancada pelos dentes por Edward do útero de Bella, uma luta entre os lobisomens e os vampiros ocorre, Jacob tem um imprinting (mais uma maneira de Stephenie Meyer colocar romance na história) por Renesmee, filha de Edward e Bella, a briga termina e Bella, para sobreviver, é mordida por Edward até virar uma vampira. Tudo isso ocorre em um longa de quase 2 horas de projeção que terá uma continuação sem propósito algum. É um perfeito golpe de marketing comercial, claro, mas tudo isso caberia perfeitamente em 40 ou 50 minutos de um filme único. E digo isso com prioridade, pois li o livro.

O amor obsessivo de Bella por Edward continua, até mais forte, enquanto o "vampiro" agressor de mulheres tenta se esquivar de qualquer sentimento de carinho entre os dois tentando amendrota-la ao contar sua patética história de quando ele, por um breve período, sugava sangue de mortais. O mesmo amor vale de Jacob para Bella. Enquanto o lobisomem sai de sua matilha a fim de proteger a amada (que escolheu outro e joga isso em sua cara inúmeras vezes), a menina carrega em seu ventre uma criatura que só não a quer perder justamente por sua paixão incontrolada por Edward, com insegurança de que ele possa ficar longe dela novamente, e por um egoísmo impressionante, acreditando fielmente que tal bebê pode ser seu ticket dourado para se tornar uma vampira, seu maior desejo e o que realmente acontece.

Mas o que consegue ser pior - talvez de tudo - é a cena da lua de mel no Rio. Para começar, o jeito que a Cidade Maravilhosa é apresentada chega a ser totalmente desrespeitosa e, quiçá, preconceituosa, como se a cada esquina uma roda de samba ocorresse e as pessoas se beijassem a todo instante. Logo depois, ao chegar na Ilha de Esme, a cena de amor que ocorre entre o casal é totalmente decepcionante, já que este era um dos grandes chamarizes das campanhas de publicidade. Cortada para pegar uma censura 13 anos, o segmento consiste em os dois se beijando na cama, o "vampiro" quebrando a cabeceira para controlar seu tesão, um fade out rápido e pronto, Bella já está acordando linda, loira e totalmente roxa, o que valeria Edward a ser preso pela Lei Maria da Penha. Isso sem falar na encheção de linguiça que é a cena dos dois se divertindo, pulando de cachoeiras e jogando xadrez enquanto Bella tenta desesperadamente ter relações com seu noivo novamente.

Há também o imprinting sentindo por Jacob pela bebê. Aqui, nada sobre tal conceito é explicado direito e, caso você não seja fã da saga, tenha lido o livro ou prestado atenção em A Saga Crepúsculo: Eclipse, você mal entende o que se passa, além de ser totalmente inadequado apresentar algo tão importante quase no final de toda a saga, o que mostra o pouco tratamento dado pelo roteiro de Melissa Rosenberg durante esses 3 anos.

Mas nem tudo em A Saga Crepúsculo: Amanhecer - Parte 1 são falhas, por sorte. A trilha sonora musical é ótima (um dos poucos pontos fortes de toda a saga cinematográfica) e os efeitos especiais usados para deixar Bella quase catatônica são bem empregados. Além disso, o filme de Bill Condon (Dreamgirls - Em Busca de um Sonho, Deuses e Monstros) tem seus momentos de originalidade, como por exemplo a cena que vemos a floresta pela visão de Jacob como lobisomem, o pesadelo de Bella e a parte que entramos em seu sistema nervoso e a vemos ser transformada em vampira aos poucos. Além disso, a cena do nascimento de Renesmee é até um pouco forte, quebrando a monotonia que naquele momento já enchia muito a paciência.

Infelizmente, tais cenas são ofuscadas pela basbaquice da maioria de outras, como Jacob dizendo a seus outrora colegas "Se quiser pegar ela, tem que passar por mim!" ou a discussão de Bella e Edward no dia seguinte ao transarem, que termina com Bella perguntando se Edward não gostou e ele respondendo "Bella, ontem à noite foi a melhor noite da minha existência".

Da dele, certamente foi, pois a minha assistindo isso foi horrível.

por Vinícius Ebenau

Combo Trailer (17-24 Novembro) | Valente

2011-11-25T21:32:00.004-02:00

Estreia nos Estados Unidos: 15 de Junho de 2012 // Estreia no Brasil: 20 de Julho

Combo Trailer (9-16 Novembro) | Jogos Vorazes

2011-11-17T00:02:00.001-02:00

Estreia nos Estados Unidos e Brasil: 23 de Março de 2012

Crítica | Gigantes de Aço

2011-11-16T16:16:00.004-02:00

Gênero: Ação, Drama, Ficção científica
Duração: 127 min.
Roteirista: John Gatins
Diretor: Shawn Levy

Em uma época onde a luta livre se torna mais e mais popular, principalmente no Brasil com a ascensão ao topo do lutador Anderson Silva, eventos e transmissões ao vivo em pay-per-view no país, filmes sobre o esporte certamente não demorariam a ser lançados. Porém, o que chega a ser uma possível nova onda, se torna algo realmente interessante quando robôs de aço de mais de 900 quilos e dois metros e quarenta de altura entram no ringue em uma história de superação como em Gigantes de Aço, estreia de Shawn Levy, moribundo das comédias famílias, no gênero de ação.

Baseado em um curta de Richard Matheson (Encurralado), o filme - ambientando no ano de 2020, quando o boxe se tornou um esporte de alta tecnologia - se passa com Charlie Kenton (Hugh Jackman), um lutador decadente que perdeu sua chance de ganhar um título quando robôs começaram a lutar para saciar a brutalidade da raça humana. Charlie, então um mero e insignificante promotor cheio de dividas, ganha apenas o suficiente, juntando sucatas de metal de robôs para passar de uma arena de boxe para outra. Quando Charlie chega ao fundo do poço, ele recebe a noticia de que sua ex-namorada com a qual teve um filho faleceu e, por isso, ele deve se unir ao afastado Max (Dakota Goyo).

Daí pra frente, vários rumos são traçados até o garoto encontrar um antigo robô no ferro velho chamado Atom. Com ajuda de seu pai (que ele chama o tempo todo apenas pelo primeiro nome), Max o ajusta e treina para disputar campeonatos e, conforme as apostas aumentam e eles são chamados para ingressar à WRB (World Robot Boxing, uma UFC das máquinas), Charlie e Max, contra todas as probabilidades, têm uma última chance de dar a volta por cima.

Impregnado de clichês de filmes à lá Sessão da Tarde, como o pai que se aproxima mais do filho ou o lutador acabado que ao final consegue voltar a glória, e com uma comédia que de vez em quando atrapalha com a ação, esta mistura de Rocky - Um Lutador com Transformers ainda assim prende o espectador graças as épicas lutas dos robôs, bem corografadas, ágeis, com grandes efeitos especiais e ao som de um rock bem alto. A direção de arte também colabora, trazendo ringues e lugares grandiosos, tanto em clubes clandestinos como também em arenas do grande campeonato.

Infelizmente, alguns personagens (tanto quanto suas motivações para algo) são fraquíssimos, se não bestas, como por exemplo o par romântico de Charlie, Bailey (Evangeline Lilly), que não tem sequer o minimo de importância à trama, sendo apenas útil para contar um pouco (totalmente o minimo) do passado do protagonista. Os "vilões" Tak Mashido (Karl Yune), Farra Lemkova (Olga Fonda) e Ricky (Kevin Durand) igualmente são muito mal trabalhados, aparecem em momentos inoportunos e suas estereotipações (os dois primeiros são japoneses e o último é do Texas) são ridículas, o que é possível ver ao reparar em Ricky que chama todos à quase todo momento que aparece de 'parceiro'. Isso sem falar do motivo que leva o personagem de Hugh Jackman a treinar Atom, que chega a ser ganancioso.

Hugh Jackman, aliás, interpreta Charlie com seu jeito canalha muitíssimo bem, e sua química com Dakota Goyo, que faz seu filho esperto, esperançoso e viciado em videogames, é instantenea e muitíssimo saborosa de se assistir na tela. O resto do elenco, como Evangeline Lilly, está razoável e não atrapalha ainda mais a história com seus personagens sem profundidade ou qualidade.

Gigantes de Aço conta com um roteiro fraco, mas é divertido de se assistir e empolgante. Shawn Levy, depois de dirigir os dois primeiros Uma Noite no Museu e a afronta A Pantera Cor de Rosa, mostra ser um bom diretor de ação e uma grata surpresa, assim como seu filme.

por Vinícius Ebenau

Pintando o Set | Dublagem

2011-11-13T20:57:00.012-02:00

É inegável a necessidade de dubladores para a indústria cinematográfica, mas especialmente no Brasil eles têm desempenhado um papel muito maior do que deveriam ter. Por razões não muito claras, diversos filmes estão sendo exibidos em nossas salas com mais cópias dubladas do que legendadas. As distribuidoras alegam que isso atrai mais o público, que se sente incomodado ao ter que ficar lendo legendas.

A diferença artística de um filme original para um que foi dublado é muito simples de ser percebida. Muitas vezes um ator passa meses, ou até mesmo anos, se preparando para um trabalho. Quando este personagem recebe um segundo intérprete, que embora saiba como utilizar seus recursos vocais, muitos detalhes são deixados de lado ao colocar sua voz sobre a do profissional estrangeiro. Muitos sentimentos e emoções não são passados como deveriam ser e pequenos detalhes são esquecidos ou ignorados. Tudo isso sem mencionar a diferença na qualidade. Os estúdios de dublagem não possuem tantos recursos tecnológicos como as produtoras de cinema, de forma que a qualidade de muitas faixas de áudio que são dubladas acabam ficando comprometidas.

Dublagem de Kung Fu Panda com
Lúcio Mauro Filho (esquerda) e Juliana Paes (direita)

Existe também a questão da perda do sentido. Para exemplificar, existe uma expressão muito utilizada nos Estados Unidos e, consequentemente, em uma centena de diálogos de Hollywood: “It's my way or the highway. You should be going”. A tradução perde seu sentido uma vez que a expressão destacada é traduzida literalmente como “É do meu jeito ou a rua. Você pode escolher”. A expressão significa algo como "você pode fazer as coisas do meu jeito ou ficar sozinho", ou "ficar na rua". A expressão tenta brincar com o significado da palavra 'way', que significa caminho, assim: um caminho ou outro.

Algo importante a ser mencionado é o sincronismo. Por melhor que seja o trabalho dos estúdios de dublagem, a sincronia entre o som, a fala de uma personagem e o movimento de seus lábios fica comprometida. É muito desconfortável assistir um filme, ouvir uma fala e notar que a boca do protagonista não esta se mexendo, ou se move com atraso.

Dublagem da animação Enrolados com Luciano Huck,
que claramente não entende do assunto

Se por um lado a dublagem têm muitos defeitos que comprometem a nossa experiência cinematográfica, ela é fundamental para as animações e também para a televisão. O trabalho dos dubladores é importante nas animações, e nestas percebemos uma maior preocupação com a qualidade e uma técnica mais elaborada, exceção feita apenas quando resolvem por alguma estúpida razão dar espaço para celebridades sem o mínimo talento para o ofício. Não acho necessário citar nomes...

Espero que esse texto os ajude a entender um pouco mais o papel que a dublagem vem tendo e aquele que ela deveria ter.

Escrito por Adriano Cardoso.

Tirando do Baú | Paixão dos Fortes

2011-11-11T15:13:00.001-02:00

Gênero: Drama, Western

Duração: 97 min.

Roteiristas: Samuel G. Engel & Winston Miller

Diretor: John Ford

Após um breve intervalo de sete anos (período em que esteve engajado com a Segunda Guerra), John Ford produziu Paixão dos Fortes, filme que marcaria seu retorno aos westerns, gênero que conhecia tão bem.

Sua escolha pelo emblemático duelo no O.K. Corral não foi á toa. Ford realmente conheceu Wyatt Earp em sua juventude e dizia, em entrevistas, que a sequência foi filmada do jeito que ouviu do próprio. Mais tarde admitiu que nem tudo era a verdade, ao mencionar algo como "Se a lenda for melhor que a realidade, filme-se a lenda".

Rodado numa deslumbrante fotografia P&B de Joseph MacDonald (Pânico nas Ruas), Paixão dos Fortes ostenta uma América crua e seca, onde a luz forte do céu está quase sempre presente sobre as cabeças dos personagens mostrando com clareza a imensidão dos cenários de Monument Valley - Grand Canyon -, local de quase todos os faroestes de Ford.

Repleto de licenças poéticas, o filme preocupa-se muito mais em montar um painel sobre o arquétipo do herói do que contar a trajetória de Wyatt Earp até o famoso tiroteio em O.K. Corral, abrindo mão de vários registros históricos e introduzindo personagens com características bem marcantes, fazendo um dos maiores clássicos do gênero.

O xerife é um sujeito extremamente corajoso, dono de uma ética impressionante, galanteador, educado, decidido e romântico. Espertamente, Ford escala nada mais, nada menos que Henry Fonda, o bom moço americano que tinha hábito de interpretar personagens fortes, defensivos e heróicos que procuravam paz e justiça. Reforçando o elenco, estão também Victor Mature (o eterno Sansão de Sansão e Dalila), no papel do tuberculoso-pistoleiro Doc Holliday, e Walter Brennan.

Assim como Wyatt, Ford sabia que um bom duelo não se trava apenas com uma arma em punho. Tem que usar astúcia e perspicácia para resgatar o interesse da platéia de uma forma bem abrangente. Sendo assim, Paixão dos Fortes é muito mais que um simples western. É um drama que evidencia a bravura e a firmeza dos homens face às injustiças sociais.

por Ricardo Pinto

Crítica | Tarde Demais

2011-11-10T15:14:00.001-02:00

Gênero: Drama

Duração: 100 min.

Roteiristas: Michael Armbruster & Shawn Ku

Diretor: Shawn Ku

O norte-americano confia tanto na instituição "família" que esta já virou uma espécie de plataforma de sustentação para um país acostumado em ser a grande potência mundial e que agora, por causa da enorme crise que enfrenta, tem que rever seus conceitos. É lógico que isto aponta para uma grande mudança social e a produção cinematográfica tem o poder de refletir sobre estas transformações.

A lista de filmes que falam sobre crises familiares é bem grande e temos como exemplos recentes o contundente Confiar e o melancólico Reencontrando a Felicidade, onde famílias aparentemente seguras enfrentam perdas trágicas e incompensáveis. Em Tarde Demais, o diretor Shawn Ku invade a intimidade de um casal classe média e explora sua deterioração após uma tragédia familiar. Tragédia esta que o diretor conhece muito bem, afinal ele perdeu um grande amigo no massacre de Virginia Tech em 2007 onde o coreano Seung-Hui Cho assassinou 32 pessoas a tiros de fuzil e revolver.

O filme, no entanto, evita esmiuçar as causas que levam um solitário e circunspecto adolescente a praticar um ato tão insano e centraliza toda sua narrativa no que acontece com os pais de Sammy (Kyle Gallner), logo após o ocorrido. Kate (Maria Bello) e Bill (Michael Sheen) formam o casal em processo de separação que vive de aparências, mal se tocam e dormem em quartos separados. Com a câmera na mão, Shawn transmite ao espectador uma sensação de estar sempre à espreita observando o casal através de frestas de portas e janelas.

Utilizando alguns clichês clássicos do gênero (como a sequência inicial onde o casal feliz brinca com seu filho numa praia ao som de uma trilha melosa e uma narração em off), Tarde Demais consegue transformar uma simples história dramática numa interessante parábola sobre um país que vive em constante paranóia sentindo-se constantemente ameaçado por algo que não sabe identificar.

É lógico que os personagens esbarram no característico pragmatismo anglo saxônico que permeia toda sociedade norte-americana, mas Shawn consegue construir os papéis de uma forma bem dinâmica e objetiva evitando cair na armadilha do melodrama barato. Portanto, não é de se estranhar que logo após o suicídio de seu único filho, Bill se preocupe em zerar as contas do cartão de crédito e Kate ocupe seu tempo consertando a geladeira de sua cunhada, evitando deste jeito entrar em contato com a profunda tristeza de uma perda irreparável, que de um jeito ou outro terão que enfrentar.

O filme sustenta o conceito que algo está fora dos eixos e o enredo aponta para revelações quase sempre frustrantes e decepcionantes. A fotografia dourada de Michael Fimognari vai escurecendo à medida que a trama avança, tornando a tranquila atmosfera inicial num pesadelo sombrio e sem esperanças.

O roteiro, cujo principal tema é a culpa, esmiuça a intimidade deste casal e observa sua penitência para descobrir os verdadeiros culpados pela tragédia, saciando deste jeito o eterno desejo de justiça. Mas como não há mais ninguém para acusar, resta apenas testemunhar o cumprimento de uma pena perpétua de uma sociedade saturada de tanta responsabilidade. Triste e melancólico, Tarde Demais revela outro lado da face de um país que não sabe como lidar com suas perdas.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (1-8 Novembro) | Projeto X

2011-11-09T19:46:00.002-02:00

Estreia nos Estados Unidos: 2 de Março de 2012 // Estreia no Brasil: Sem previsão

Combo Trailer (25-31 Outubro) | Os Muppets

2011-11-01T09:18:00.001-02:00

Estreia nos Estados Unidos: 23 de Novembro // Estreia no Brasil: 02 de Dezembro

Crítica | Atividade Paranormal 3

2011-10-29T14:19:00.005-02:00

Gênero: Terror

Duração: 85 min.

Roteirista: Christopher B. Landon

Diretores: Ariel Schulman & Henry Joost

Quando Atividade Paranormal foi lançado, em 2007, houve um tremendo rebuliço em Hollywood, pois mais uma vez um filme de baixíssimo custo arrecadava milhões nas bilheterias nas semanas iniciais de exibição, rastro iniciado pelo cultuado A Bruxa de Blair. Os produtores, ávidos pela equação - baixo custo e altos lucros - se dispuseram então a trabalhar numa franquia que já alcança o terceiro capítulo com altas probabilidades de continuar exaustivamente.

O terceiro longa da franquia conta a origem dos acontecimentos dos primeiros filmes, quando as irmãs Katie e Kristi ainda eram crianças. Os pais das meninas são perseguidos por um espírito maligno em sua própria casa, onde eles vivem com suas filhas. Em uma tentativa de desvendar esse mistério, eles instalam câmeras por toda a casa para capturar as ocorrências dessas atividades estranhas.

Não é necessário ter assistido aos outros para se envolver na atmosfera que a franquia propõe. Utilizando a mesma estrutura (estilo documental com câmera na mão), Atividade Paranormal 3 é uma produção visivelmente superior aos filmes anteriores, pois conta com mais recursos técnicos e alguns efeitos especiais feitos com a única intenção de assustar o espectador que gasta minutos assistindo imagens de vídeos caseiros e testemunhando a ação de um fantasma vingador.

Algumas sequências não fazem muito sentido (como a da garotinha chamando fantasmas pelo espelho), mas o gênero esbanja domínio sobre o espectador que fica nervoso diante da possibilidade de algo acontecer em qualquer canto da tela. O enredo conta também com mais personagens e a inclusão de uma trama que envolve seitas satânicas chefiada por bruxas, mas mantêm o foco no propósito principal que é a do susto caseiro (e repentino) e as insinuações apavorantes de vultos e objetos caindo, soluções fáceis e baratas que produzem o efeito desejado.

Mais uma vez a fórmula funciona, porém Atividade Paranormal 3 já demonstra leves sinais de fadiga, pois a base de sua receita é idêntica a um passeio num trem fantasma de um parque de diversões. Ninguém vai querer embarcar mais de três vezes em um brinquedo com os mesmos fantasmas.

por Ricardo Pinto

Crítica | A Condenação

2011-10-28T19:23:00.001-02:00

Gênero: Drama

Duração: 107 min.

Roteirista: Pamela Gray

Diretor: Tony Goldwyn

Hollywood adora produzir histórias que falam de superação individual com personagens repletos de determinação e firmeza (daqueles que acreditam piamente em um ideal mesmo que este não tenha nenhuma possibilidade de dar certo). O recente e piegas Um Sonho Possível estrelado pela oscarizada Sandra Bullock narrava a real história de Leigh Anne Tuohy, uma dondoca tipicamente americana, de classe média alta, que adotou um obeso adolescente negro (analfabeto, sem lar e sem futuro) e o transformou num grande astro do futebol americano.

A história de A Condenação não é muito diferente, pois Betty Anne Waters (a também oscarizada Hilary Swank), uma mulher sem muitos recursos, mãe de dois filhos, abriu mão de toda a sua vida para defender seu irmão Kenny Waters (Sam Rockwell), condenado injustamente pelo assassinato de uma mulher nos anos 80.

A semelhança entre os dois filmes está na bela mensagem sublimar da capacidade que o ser humano possui em transformar uma esperança em realidade através da perseverança e da extrema convicção (título original do filme). O roteiro, apesar de ser baseado numa poderosa história real, exagera bastante nas tintas melodramáticas, deixando o filme com a mesma cara dos dramas que Hollywood vem apresentando há décadas. Tudo é milimetricamente dosado para que o espectador emocione-se na hora exata, auxiliado pela direção quase monótona de Tony Goldwyn (o vilão de Ghost - Do Outro Lado da Vida) que não acrescenta absolutamente nada de novo ou criativo ao gênero. Algumas situações soam dissonantes, pois apresentam soluções fáceis demais (como a rápida confissão da culpa da ex-mulher de Kenny), enquanto outras são estendidas excessivamente.

A narrativa possui a clássica construção dos filmes dramáticos, dando tempo suficiente para que o espectador absorva as belas imagens (captadas pela fotografia do brasileiro Adriano Goldman) e mantenha intacta sua identificação com o sofrimento e a dedicação da personagem principal, portanto vá esperando as habituais cenas de crianças sendo separadas aos berros pelo cruel sistema penal norte-americano e personagens derramando lágrimas pelos cantos dos olhos.

A motivação de Betty Anne para libertar o irmão é imediatamente percebida pelos flashbacks ao longo da trama, mas a concepção da realidade fica deformada diante tanta comoção dramática auxiliada pela trilha melosa de Paul Cantelon (O Escafandro e a Borboleta).

A Condenação tem uma linguagem bastante popular, pois fala acima de tudo do comportamento ético e ideal do arquétipo cristão, mas derrapa na capacidade de reinventar um gênero que já foi explorado ao máximo.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (17-24 Outubro) | Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras

2011-10-26T21:50:00.001-02:00

Estreia nos Estados Unidos: 16 de Dezembro // Estreia no Brasil: 13 de Janeiro de 2012

Tirando do Baú | Cabaret

2011-10-22T14:03:00.002-02:00

Gênero: Drama, Musical

Duração: 124 min.

Roteirista: Jay Presson Allen

Diretor: Bob Fosse

Este incrível musical de Bob Fosse é um marco na história do cinema. Ao revê-lo recentemente, percebi a importância deste filme. Não que antes não tivesse dado mérito. mas a narrativa possui qualidades atemporais e que o qualificam como uma mudança inteligente nos padrões de Hollywood nos anos 70.

Cabaret, na verdade, tem 3 adaptações. Uma do livro de Joe Masteroff sobre o início do nazimo numa Berlim decadente e dominada pelos judeus riquíssimos bancários. A outra é da peça de teatro escrito por John Van Druten que enriquece a trama com um cabaret (palco de toda a trama) e, por fim, temos a adaptação de Bob Fosse, que inseriu os sensacionais números musicais ao cabaret. O filme, além de ter sido um mega sucesso de crítica e público, apresentou ao mundo a talentosa Liza Minnelli (então com apenas 26 anos) no papel de Sally Bowles.

Cabaret é uma ode à decadência. Começa em 1931 (antes da guerra), quando a Alemanha se encontrava num enorme reajuste social, com o povo alemão miserável, sofrendo nas mãos dos judeus ricos e mesquinhos. A chegada do nazismo era a promessa de um mundo melhor, um novo amanhã. No cabaret reinava a decadência e sordidez. Nada importava. A vida era um cabaret (como Liza grita no fim do filme).

Ninguém conseguia avistar o futuro pesadelo que a Europa estava por passar. Sally Bowles é uma criatura patética, sozinha, sem referências, nem afetos. Vive de brilhos passageiros e futilidades. Ela usa as pessoas para o seu bel prazer. Apesar de Sally ser uma figura perdida e futil, gostamos dela e Liza consegue nos hipnotizar até o fim com seus grandes olhos pintados a la Betty Boop. Joel Grey como o mestre de gala é outra sensação. Uma figura igualmente decadente, sexualmente dúbia, apresentando números musicais com temas de gosto duvidosos.

Cabaret é imperdível para qualquer fã de cinema. Mesmo revendo em pleno século 21, o filme cativa, hipnotiza e transborda de referências sociais bem atuais.

por Ricardo Pinto

Crítica | A Hora do Espanto

2011-10-20T21:48:00.009-02:00

Gênero: Comédia, Terror
Duração: 106 min.
Roteirista: Marti Noxon
Diretor: Craig Gillespie

É chato afirmar isso sempre, mas se torna mais óbvio com o tempo que Hollywood sofre desesperadamente de idéias originais. Segundo uma pesquisa, até Fevereiro deste ano, dos 100 filmes que mais arrecadaram nesta última década, 74 são sequências, remakes, ou adaptações de quadrinhos, games e livros. A cada dia, refilmagens e adaptações são mais comuns e projeto bons e inéditos são raros de se ver. Deste jeito, seguindo a "moda", A Hora do Espanto, divertido filme de 1985, ganha depois de 27 anos uma nova versão trazendo sanguinolência e muita sexualidade aos atualmente famigerados vampiros.

Na nova história, Charlie (Anton Yelchin) é um garoto popular que namora Amy (Imogen Poots), a menina mais cobiçada de toda a escola, e ignora seu antigo melhor amigo, Ed (Christopher Mintz-Plasse), que o incomoda dizendo que seu novo vizinho, Jerry (um maravilhoso e sensual Colin Farrell), é um vampiro. Charlies não acredita, pois Jerry a princípio parece ser um cara legal, mas há algo não muito certo nele e todos, inclusive a mãe de Charlie, não percebem. Depois de observar algumas atitudes bastante estranhas, ele chega a conclusão de que seu vizinho é realmente um ser da noite chupador de sangue em busca de presas no bairro e tenta salvar a todos pedindo ajuda ao "grande" caçador da vampiros Peter Vincent (David Tennant).

As adaptações presentes na trama aqui até que em alguns momentos são funcionais, como por exemplo a mudança de ambiente do filme para um pequeno condomínio fechado em Las Vegas, uma cidade cercada pelo deserto sem praticamente um lugar para se esconder, todavia na tentativa de se tornar algo novo em momentos começa a ficar chato. O que antes se passava em metade do filme, neste é logo apresentado nos primeiros 20 minutos, deixando assim espaço para o arrastado clímax que ocupa grande parte do longa. A história parece ser deixada de lado e o foco fica totalmente na ação que, mesmo sendo até empolgante em partes, apresenta incrivelmente fracos efeitos visuais.

Em contraparte, a fotografia acertadamente escura de Javier Aguirresarobe (Vicky Cristina Barcelona), junto com a trilha sonora do alemão Ramin Djawadi (Homem de Ferro, Fúria de Titãs), impregnam o filme (e o vampiro Jerry) com um tom predominantemente sombrio, necessário para que algumas sequências tenham um bom êxito (como a cena passada dentro da casa do vampiro que termina de uma maneira inesperada colaborada pelos efeitos 3D). Aliás, tal tecnologia - que está se tornando enjoativa e sendo deixada de lado pelo público - aqui é usada apenas para jogar sangue em sua cara e cinzas de vampiro constantemente mortos. Nada de mais, afinal.

Em época de Crepúsculo, onde vampiros brilham, correm na floresta e se apaixonam por reles mortais, A Hora do Espanto apresenta tais monstros à moda antiga como devem ser (sedentos que queimam no sol, brutos, sem compaixão) para esta "nova geração". Pena que não apresenta mais elementos do clássico oitentista e, em sua tentativa de ser diferente, se perde.

por Vinícius Ebenau

Combo Trailer (9-16 Outubro) | Os Vingadores

2011-10-17T14:12:00.002-02:00

Estreia nos Estados Unidos: 4 de Maio de 2012 // Estreia no Brasil: 27 de Abril

Combo Trailer (1-8 Outubro) | Gato de Botas

2011-10-09T20:09:00.000-03:00

Estreia nos Estados Unidos: 4 de Novembro // Estreia no Brasil: 9 de Dezembro

Pintando o Set | As salas de cinema

2011-10-05T13:13:00.013-03:00

Já se deram conta de como está difícil ir ao cinema hoje em dia? Como será que as coisas ficaram tão complicadas? Será que ainda vale a pena ver um filme nas salas de exibição?

Lá atrás...

Até o início da década de 50, o cinema era algo voltado para a elite. As pessoas iam aos grandes cinemas muito bem vestidas: smoking, terno e gravata, vestidos longos. Era algo semelhante a ir à ópera ou a algum concerto nos tempos atuais. As salas eram locais luxuosos e durante a época do cinema mudo, orquestras tocavam melodias ao vivo durante a exibição dos filmes. Os ingressos eram caros, não era pra qualquer um. Com o passar do tempo, a sétima arte ficou mais acessível, tornando-se um entretenimento popular.

Isso é muito bom, principalmente se levarmos em conta que todo autor quer ver sua arte conhecida e, se possível, apreciada pelo maior número de pessoas.

A popularização do cinema tornou o ramo da exibição extremamente competitivo. Muitas salas tradicionais fecharam as portas, sendo substituídos por redes de exibição. Estas inicialmente diminuíram o custo dos ingressos e modernizaram as salas, melhorando a qualidade da exibição dos filmes. Com isso, o cinema passou a ser visto por muitos como puro entretenimento. O que também é verdade, embora isso faça muitos se esquecerem que é, em sua essência, uma forma de arte. Tal fato teve grande impacto na indústria cinematográfica, elevando a cada ano o número de projetos confeccionados e também priorizando muito mais filmes que tivessem uma linguagem simples, de fácil acesso e grande interesse do público, criando aquele jargão de “Cinema Holywoodiano”, ou seja, filmes com uma mesma estrutura narrativa, heróis e vilões bem definidos, lições de moral e finais felizes.

A experiência da sala de exibição

Existe uma diferença enorme entre ver um filme em Blu-ray na sua casa e numa sala de cinema. Por mais que você tenha os melhores equipamentos, imagem e som, o cinema traz uma experiência única. Lá, toda sua atenção está voltada ao filme, diferente da sua casa, onde o telefone toca, você pode congelar a imagem pra pegar um petisco, ou então pausar o filme pra ir ao banheiro.

No cinema, você literalmente mergulha dentro do filme. Toda sua atenção está voltada para a narrativa. Ficamos muito mais atentos e sensíveis a tudo que vemos e ouvimos quando o filme começa e as luzes da sala estão apagadas. Ao final da projeção, durante os créditos, as luzes vão se acendendo, devagar e gradativamente, como se nos tirasse de dentro da estória e nos devolvesse ao mundo real...

Os problemas das salas de cinema hoje em dia...

No Brasil, as salas tradicionais de cinema praticamente sumiram, e redes como Cinemark e Kinoplex dominam o mercado.

Os preços que antes eram atrativos hoje já não são mais... Por exemplo, em São Paulo, para ir sozinho ao cinema, você gasta ao menos 25 reais. Claro, estou computando, além do valor do ingresso, o deslocamento até o local e o estacionamento.

Além deste problema, também convivemos com a dificuldade em ver certos projetos. Os filmes com menor apelo comercial muitas vezes nem entram no circuito de exibição das grandes redes. Muitas vezes sobram como opção salas mais afastadas, com menor conforto e qualidade técnica deficitária.

Isso não é muito perto de outros problemas. Cada vez mais há um desrespeito maior para com os “consumidores” de cinema. Durante a projeção, algumas pessoas conversam, falam em celulares, xingam... E ninguém faz nada. Nenhum funcionário toma qualquer providência para evitar isso. Em alguns lugares nos Estados Unidos, a pessoa que deixa o celular ligado na exibição de um filme é colocada pra fora da sala e não pode mais voltar. Mas por aqui...

Muitas salas não são limpas adequadamente e encontramos poltronas quebradas e resto de alimentos. Algumas vezes a projeção começa fora de foco e demora até que alguém tome alguma providência.

O pior mesmo é quando a exibição chega perto do final. Eu, por exemplo, tenho cada vez experiências piores em salas da rede Cinemark, que domina grande parte do mercado em São Paulo. Estou entretido com o filme quando, de repente, vejo uma forte luz, fruto da abertura da porta de saída por alguns funcionários, dando a entender que o filme vai terminar. Isso é algo que frustra totalmente nossa experiência cinematográfica! Alguém nos antecipa que o filme já vai acabar, sendo que, sem esse detalhe, nem iríamos suspeitar. Além disso, as luzes se acendem totalmente antes do final da sessão, atrapalhando o processo, conforme expus acima. Isso quando a projeção não é interrompida no começo ou meio da exibição dos créditos.

Uma vez resolvi me queixar com uma funcionária sobre a falta de respeito deles com os consumidores. Fui ignorado, e só recebi sua atenção quando dirigi alguns “elogios” a ela.

É por esta série de problemas que cada vez mais cinéfilos tem deixado de ir ao cinema, aderindo à pirataria ou esperando pelos lançamentos em DVD e Blu-ray.

Se as redes de cinema não respeitarem seus consumidores, a tendência é que as salas fiquem mais e mais vazias. Se não for possível ter uma experiência adequada vendo um filme no cinema, é melhor assisti-lo em casa, com mais conforto e gastando menos, não é verdade?

Escrito por Adriano Cardoso.

Tirando do Baú | Noivo Neurótico, Noiva Nervosa

2011-10-05T13:00:00.001-03:00

Gênero: Comédia, Drama, Romance

Duração: 93 min.

Roteiristas: Marshall Brickman & Woody Allen

Diretor: Woody Allen

Para que servem os relacionamentos? Esta (entre tantas) é umas das questões que o personagem Alvy Singer se pergunta neste filme ícone dirigido por Woody Allen.

Noivo Neurótico, Noiva Nervosa teve uma grande importância no cenário cinematográfico mundial por várias razões. Uma delas foi ter catapultada a carreira de Diane Keaton, que motivou milhares de mulheres a trajarem-se da mesma maneira despojada de seu personagem. O estilo Annie Hall foi copiado, até mesmo, pelos grandes estilistas de grifes famosas que viram uma oportunidade de criação infinita (utilizando coletes e peças da vovó sem perder o charme feminino). Com sua atuação espontânea e desprendida, Diane Keaton foi premiada, merecidamente, com o Oscar de Melhor Atriz e ganhou um alto status em Hollywood (infelizmente, a atriz não manteve o tal merecimento atuando, hoje em dia, em comédias idiotas e despretensiosas até demais).

Outro mérito do filme, que ganhou mais de 24 prêmios em festivais mundo afora, foi ter promovido Woody à condição máxima de comediante sério, além de ter sido premiado com o Oscar de Melhor Diretor daquele ano (1977). Woody transformou, então, a clássica comédia norte-americana (gênero que Frank Capra dominava muito bem) em algo mais denso e profundo, introduzindo toques dramáticos e metalinguísticos (como as conversas com o público), mas não abandonando o lado engraçado e burlesco das situações cotidianas. Woody uniu dois gêneros em um, fazendo uma fusão que até hoje é utilizada com muito sucesso. Um bom exemplo disso é o recente 500 Dias com Ela de Marc Webb, onde a linguagem utilizada é visivelmente herdada de Noivo Neurótico, Noiva Nervosa.

Na verdade, o filme trouxe uma rajada de frescor a um gênero que vinha deteriorando-se lentamente na Hollywood dos anos 70, década repleta de grandes transformações e novos diretores (Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, etc). Esta crônica sobre os relacionamentos é toda dirigida na 1ª pessoa e é, talvez, o mais autobiográfico filme da carreira de Woody Allen.

O personagem principal - Alvy Singer - é um comediante judeu e sua namorada chama-se Annie Hall (o verdadeiro nome de Diane Keaton é Diane Hall e sua mãe costumava chamá-la de Annie). A neurose de Allen está evidentemente estampada em seu personagem, que recorre aos 15 anos de análise como uma forma de reconhecer suas idiossincrasias (mas não a ponto de transformá-las). Allen faz graça de suas carências e as transforma em questões que atingem em cheio o espectador, que reconhece imediatamente o que está sendo vivido pelo personagem. A identificação é enorme e Noivo Neurótico, Noiva Nervosa passa a ser uma franca conversa entre o diretor e o público.

Woody apodera-se, também, de um completo domínio sobre a direção, brincando com a linguagem cinematográfica (nas sequências em desenho animado) e alterando a narrativa num gostoso bate-papo sem perder o fio da meada. Quando os personagens observam seu passado - em sequências geniais com a finalidade de mostrar ao público as motivações do presente -, Woody consegue demonstrar este virtuosismo e expor uma metalinguagem rara neste tipo de gênero. Na verdade, ele utiliza a forma e o conteúdo do roteiro para expressar as idiossincrasias do ser humano sem fazer apelações baratas ou maniqueístas. Em Noivo Neurótico, Noiva Nervosa não há vilões, nem heróis, simplesmente seres humanos que sentem, sofrem, amam, fazem sexo, mudam de idéia e questionam-se constantemente sobre a difícil arte da convivência.

Um verdadeiro clássico cult.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (25-30 Setembro) | Atividade Paranormal 3

2011-10-01T12:36:00.003-03:00

Estreia nos Estados Unidos e Brasil: 21 de Outubro

Crítica | Missão Madrinha de Casamento

2011-09-30T14:24:00.004-03:00

Gênero: Comédia

Duração: 132 min.

Roteiristas: Annie Mumolo & Kristen Wiig

Diretor: Paul Feig

Todo mundo tem um amigo (ou conhece alguém) que não sabe contar uma piada direito. É aquele tipo que tenta, tenta, mas chega na hora AGA e perde a pegada final (ou como os norte-americanos chamam, PUNCH). Paul Feig é um destes caras. Diretor oriundo da TV com pouquíssimas passagens pelo cinema, Paul não sabe manipular a graça de uma anedota e transforma Missão Madrinha de Casamento em um bom exemplo de como uma boa piada pode ficar insossa e sem nenhum timing cômico.

O filme tem cara que foi produzido como um piloto para uma série de TV recheada de esquetes escatológicos e espalhafatosos (sem a claquete de risos). Paul Feig ainda acredita que colocar uma mulher vestida de noiva fazendo cocô no meio de uma avenida é algo engraçado e explora sem nenhuma sutileza este tipo de humor. Ainda por cima faz uma patética (e ufanista) declaração de burrice ao apresentar uma churrascaria brasileira onde servem carne estragada com um gerente falando espanhol.

A narrativa sofre muito com a falta de ritmo entre as ditas "piadas" que às vezes são estritamente locais e nada querem dizer ao resto do mundo. O elenco é formado por atrizes famosas nas séries TV repetindo basicamente o mesmo papel que as consagraram, tornando os personagens um poço da caricatura sem criatividade (destaque para a última aparição de Jill Clayburgh antes de seu falecimento).

Na verdade, Missão Madrinha de Casamento é uma versão importada de Pânico na TV para o cinema. Imaginem ver as Panicats, Vesgo e Sabrina Sato com dor de barriga por terem comido hambúrguer estragado em algum fast food norte-americano...

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (17-24 Setembro) | J. Edgar

2011-09-26T17:19:00.001-03:00

Estreia nos Estados Unidos: 9 de Novembro // Estreia no Brasil: 27 de Janeiro de 2012

Crítica | Sem Saída

2011-09-22T16:13:00.004-03:00

Gênero: Ação

Duração: 106 min.

Roteirista: Shawn Christensen

Diretor: John Singleton

Antes de mais nada, prefiro não chamar Sem Saída de um "filme" no sentido literal da palavra. Tem muito mais cara de um "produto feito para agradar adolescentes pós-Crepúsculo" do que uma obra cinematográfica. É um produto onde se percebe o tempo todo a mão pesada dos produtores atuando como forma de satisfazer às massas menos exigentes, aquelas que não costumam ir a cinemas nem apreciar a 7ª arte como um todo.

A direção de John Singleton é quase nula. O diretor, aliás, vem demonstrando um talento nato para dirigir bombas estúpidas do gênero (+Velozes +Furiosos) e seu nome já parou de significar alguma criatividade.

Com uma narrativa medíocre e sem nenhuma surpresa, o filme apresenta o jovem Nathan (Taylor Lautner) que sempre se sentiu afastado de seus pais e um dia conhece o bizarro motivo: encontra uma foto sua, quando bebê, em um site de pessoas desaparecidas. A partir de então ele entra num turbilhão de mistérios sempre sob a ameaça de uma quadrilha internacional e da própria CIA.

O primeiro problema está na escolha do papel principal. Entregar um suposto filme sério de ação nas mãos de um rapaz que mal fez 19 anos sem nenhum carisma ou força dramática é uma ousadia cujo preço é escancarado na tela. Taylor Lautner é ainda um moleque muito mal preparado, de olhos apertadinhos, recém saído do sucesso da saga Crepúsculo (outra encomenda de produtores) e que a todo instante esperamos que ele vire um lobisomem para atacar seus inimigos. É preciso comer muito arroz com feijão para ser chamado de ator e este despreparo dificulta demais a identificação do público com o que se passa na tela.

Outro problema é exatamente este: o que se passa na tela. As sequências não possuem nenhum clímax ou conflito impactante e todo o conteúdo da história fica apenas resumido em um único miolo mal bolado. O assunto principal (a procura de Nathan pela sua identidade) esgota-se imediatamente e resta ao pobre espectador apreciar o novato ator exibir seus fracos dotes de kickboxer e caras de choro.

O elenco coadjuvante é recheado de Atores verdadeiros (com A maiúsculo). Sigourney Weaver, Maria Bello e Alfred Molina estão lá apenas para segurar as pontas de um filme fraco e sem vigor.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (9-16 Setembro) | A Saga Crepúsculo: Amanhecer - Parte 1

2011-09-16T15:04:00.001-03:00

Estreia nos Estados Unidos e Brasil: 18 de Novembro

Crítica | Conan, o Bárbaro

2011-09-16T14:57:00.003-03:00

Gênero: Ação, Aventura, Fantasia

Duração: 113 min.

Roteiristas: Joshua Oppenheimer, Sean Hood & Thomas Dean Donnelly

Diretor: Marcus Nispel

É impressionante como o caminho aberto pela trilogia de O Senhor dos Anéis favoreceu um enorme trânsito para filmes de aventuras góticas e fantasias medievais. A quantidade de produções do mesmo gênero que chega ao mercado cinematográfico reflete o êxito da trilha aberta pela espetacular saga escrita por J. R. R. Tolkien.

Infelizmente, o diretor especialista em refilmagens Marcus Nispel (O Massacre da Serra Elétrica - 2003 e Sexta-Feira 13 - 2009) não possui o mínimo de sutileza necessária para comandar uma história que pretende evocar o heroísmo supremo e a espada afiada de Conan, o Bárbaro, sequer consegue arranhar o sucesso do universo imaginado por Jackson/Tolkien.

Repetindo a mesma abertura de O Senhor dos Anéis - onde um narrador descreve ao espectador a existência de uma máscara feita de pedaços de ossos com enormes poderes (substituindo o anel), a trama vai revelando, sem nenhuma criatividade, a origem de Conan, desde seu nascimento até o final apoteótico. Repleto de personagens estereotipados e caricatas, a direção de Nispel não possui nenhuma motivação mais profunda para além daquilo que é mostrado.

As sequências quase sempre fechando em óbvios fades, os cortes para o céu, a câmera confusa (especialmente nas cenas de ação) e os intertítulos com pomposos nomes que nada querem dizer refletem a falta de intimidade do diretor com as funções semânticas e rítmicas (primordiais em filmes de aventura). O tom pretensioso de Nispel é elevado à máxima potência quando ele reproduz sequências inteiras de outros filmes de aventura, jogando fora toda e qualquer possibilidade para que Conan ganhe alguma identidade.

Outro grande erro do diretor (e dos roteiristas Thomas Dean Donnelly, Joshua Oppenheimer e Sean Hood) é transformar os complexos personagens guerreiros, idealizados por Robert E. Howard, em caricaturas toscas e grotescas, adaptando-as para o mundo atual como forma de trazer o espectador dentro do universo sugerido. O resultado disso é uma enxurrada de patéticos clichês onde as mocinhas são frágeis e valentes, os inimigos grunhem constantemente e Conan é transformado em um afetado e antipático Rambo medieval de sobrancelhas feitas, aplique mega hair e olhar 43 recém saído de uma academia de musculação sem nenhum tônus enérgico ou feito extraordinário.

Pela fria recepção da platéia, o bárbaro não terá vida longa e nem terá as continuações pretendidas pelos produtores ávidos por gordas bilheterias. Ainda bem.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (1-8 Setembro) | American Reunion

2011-09-09T04:32:00.000-03:00

Estreia nos Estados Unidos: 6 de Abril de 2012 // Estreia no Brasil: 20 de Abril

Crítica | Larry Crowne - O Amor Está de Volta

2011-09-09T04:13:00.003-03:00

Gênero: Comédia, Romance

Duração: 98 min.

Roteiristas: Nia Vardalos & Tom Hanks

Diretor: Tom Hanks

Desde que despontou no cinema como ator de comédias ligeiras, Tom Hanks apresentou uma forte simpatia para encarnar papéis do típico bom moço. Mas foi a partir de Forrest Gump - O Contador de Histórias (1994) que esta tendência ficou mais visível e Hanks declarou-se como o mais emblemático representante da classe média norte-americana. O filme fazia a síntese de um país através da patética figura de um personagem bobalhão e ingênuo, de cabeça raspada, que representava todos os anseios da geração norte-americana durante o século 20.

Em Larry Crowne - O Amor Está de Volta, Tom Hanks retorna com a mesma intencionalidade de incorporar um personagem que dignifica a índole e a dignidade do povo norte-americano, desta vez com um projeto bastante autoral travestido de comédia romântica.

A sinopse resume-se no seguinte: depois de perder seu emprego numa loja de departamentos, Larry Crowne (Tom Hanks), um homem de meia idade, tenta refazer sua vida voltando a estudar numa universidade. Dirigido e estrelado pelo próprio ator e com roteiro escrito em parceria com Nia Vardalos (Casamento Grego), a narrativa possui um tom extremamente convencional com aquela famosa abertura coreografada que serve, basicamente, para apresentar o personagem principal como uma ingênua vítima do cruel sistema social que demite um esforçado funcionário apenas pelo fato de não ter escolaridade suficiente.

Sem ter muito que contar, Hanks dirige, com muito esforço, este aborrecido filme num impressionante e entediante piloto automático. Repleto de personagens unidimensionais, recitando piadinhas antiquadas e sem nenhum timing ou originalidade, a trama possui um estranho sabor rançoso com ares de falsa modernidade. Tudo embalado com a irritante trilha sonora de James Newton Howard repleta de acordes "bossa new age" e editado como um episódio da série Friends (série de televisão estadunidense).

Apoiado numa estrutura politicamente correta, o roteiro de Hanks e Vardalos fala sobre as mazelas atuais de uma América desacostumada a passar por crises, desempregos e falta de oportunidades. Mas é aí que reside talvez o maior problema do filme. Querendo enviar mensagens de auto-ajuda e de superação, o enredo enfatiza um discurso arrogante de que a classe média branca norte-americana sempre pode dar a volta por cima, mesmo que, para isso, necessite da ajuda da minoria eternamente rejeitada. O elenco coadjuvante é, então, basicamente composto por negros, latinos, mestiços e asiáticos (sempre apresentando um comportamento estereotipado) que aparecem na trama apenas como escada para que o famoso casal principal tenha o destaque merecido.

Até a presença de Julia Roberts serve para um propósito ideológico do roteiro. A atriz (que está se especializando em papéis de mulheres entediadas e frustradas com vida conjugal) é utilizada como presente para este indivíduo esforçado e trabalhador. Larry Crowne consegue, então, atrair a atenção e o amor de uma das maiores ícones da beleza e sedução do cinema (a eterna Linda Mulher), revelando deste jeito uma imensa falsa ideologia de que os Estados Unidos é um lugar onde ainda vale à pena insistir e perseverar em seus sonhos, pois haverá uma boa recompensa no final (desde que você não seja negro, mestiço, latino ou asiático).

A conclusão feliz (bastante chinfrim, por sinal) é a prova contundente de como Hanks ainda acredita neste ideal conservador e careta de uma sociedade bem hipócrita. Na verdade, Larry Crowne - O Amor Está de Volta é um retrato repleto de demagogia de um povo frustrado tentando sobreviver desesperadamente aos novos tempos, mas que ainda se julga o centro do mundo.

por Ricardo Pinto

Pintando o Set | Adaptações

2011-09-09T03:12:00.011-03:00

Embora muitos filmes sejam baseados em histórias originais, muitas tramas são criadas a partir de contos, obras literárias, biografias, histórias em quadrinhos, peças teatrais ou fatos jornalísticos. Para realizar uma obra deste tipo, inicialmente é necessário que os produtores, ou a produtora, adquiram os direitos sobre a mesma. A partir daí é construído um roteiro adaptado deste material.

Muitas vezes existem também cláusulas contratuais que protegem a obra de sofrerem determinadas mudanças quando são adaptadas. Os autores costumam ter certo receio que mudanças muito drásticas tenham impacto sobre a obra original. Mesmo assim, a maioria dos roteiros adaptados não são 100% fiéis ao material que os originou. Isso ocorre devido a necessidade do formato da história para o cinema, que é diferente. Um exemplo disso são as HQs. Seus personagens e histórias têm continuidade, evoluindo com o passar do tempo. È impossível levar esses personagens ao cinema, bem como suas aventuras, sem efetuar modificações.

Faz-se necessário pegar décadas de histórias e personagens, muitas vezes criar uma trama original, levar alguns conceitos principais (detalhes que agradam aos fãs) e adaptar situações para criar os conflitos e a dramaticidade que um roteiro de cinema requer. Um bom exemplo é Dúvida (2008). Adaptado da peça teatral de mesmo nome, é um drama no qual um padre é acusado de abusar de um garoto e desde o começo nós sabemos que até o final do filme esta dúvida não será esclarecida. Uma curiosidade interessante sobre este roteiro é que apenas o diretor e Philip Seymour Hoffman, o ator que interpretava o padre, sabiam se o personagem era culpado ou não.

A adaptação de Steve Jackson da trilogia O Senhor dos Anéis também é algo muito eficiente. Ele modificou uma série de elementos presentes nos livros, mas deixou o principal, eliminando muitas partes que eram puramente descritivas, que tomariam muito tempo na tela e não dariam dinâmica a narrativa.

Citamos bons exemplos, mas também existem boas obras que tornam-se filmes medíocres, como por exemplo as três adaptações para o cinema do Justiceiro. Anti-herói da Marvel, o Justiceiro é um policial que teve sua família assassinada por bandidos e passou a dedicar sua vida a perseguir e matar criminosos. Um personagem complexo, diferente de outros heróis, com uma alma sombria e um desejo de fazer justiça acima da lei. Todos esses elementos seriam perfeitos para o protagonista de um filme, entretanto os produtores não conseguiram alcançar estes feitos e nenhum dos 3 longas-metragens baseados neste personagem foram "aceitáveis".

Muitas vezes acontece também o óbvio: um material medíocre dá origem a um filme tão ruim quanto, ou pior. Um bom exemplo é Crepúsculo (2008) e suas continuações. Com uma história ridícula e atores tão fracos quanto seus personagens, o longa só faz sucesso com seus seguidores. Os poucos que defendem esse filme alegam que o mesmo só pode ser realmente apreciado por aqueles que leram os livros. Fui conferir e realmente, os livros são tão patéticos quanto os filmes. A estrutura narrativa é ridícula e realmente existe uma grande fidelização no que é mostrado nas telas.

X-Men: Primeira Classe - Adaptação para os cinemas
da origem da equipe de heróis formada por mutantes

Aliás, isto levanta outro ponto interessante: numa adaptação, o filme deve se sustentar sozinho, ou seja, mesmo quem nunca ouviu falar do personagem ou da história na qual a projeção é baseada, deve ser capaz de entender o que é apresentado.

Bom, embora nem tudo saia como deveria, é muito gratificante quando uma HQ, um livro, ou alguma outra história que gostamos é transposta pras telas com um filme de qualidade, mesmo que com algumas mudanças significativas.

Escrito por Adriano Cardoso.

Crítica | O Homem do Futuro

2011-09-02T17:24:00.004-03:00

Gênero: Comédia, Ficção científica

Duração: 103 min.

Roteirista: Cláudio Torres

Diretor: Cláudio Torres

A utopia de viajar pelo tempo sempre seduziu escritores e cineastas. H. G. Wells, em 1895, escreveu seu clássico romance científico A Máquina do Tempo, que anos mais tarde foi aprofundado por outros escritores. No cinema, a trilogia De Volta para o Futuro foi talvez o melhor exemplo de como Hollywood se encantou com o tema. O Homem do Futuro do diretor Cláudio Torres (Redentor e A Mulher Invisível) explora o mesmo assunto de uma maneira simpática e muito bem humorada, e, o que é melhor, adicionando um tempero bem brasileiro.

Zero (o brilhante Wagner Moura) é um fracassado cientista que há 20 anos foi publicamente humilhado na frente de seus colegas e perdeu o grande amor de sua vida: a bela Helena (uma estonteante Aline Moraes). Uma experiência acidental com uma de suas invenções leva-o ao passado, exatamente na fatídica noite. Após ter a chance de mudar sua história, Zero retorna completamente mudado.

Contando com uma impecável equipe técnica e com incríveis efeitos especiais (como a desintegração molecular dos personagens,) o filme explora os clichês do gênero - viagem no tempo - de um jeito fantasioso, simpático e divertido. As piadas sobre o passado (mais precisamente em 1991, quando Collor era presidente) são hilárias e o espectador se identifica imediatamente com a época retratada. O roteiro (assinado pelo próprio diretor) introduz alguns elementos subliminares bem interessantes, como o medo de fracassar, fazer escolhas erradas e ter sucesso no futuro. Estes argumentos rendem uma curiosa avaliação sobre nossas vidas, deixando o espectador feliz com as ações dos personagens.

Outro grande acerto é o casal principal de atores que ajuda a manter o clima enérgico da narrativa. Wagner Moura demonstra todo seu vigor cênico interpretando o mesmo personagem sob três dimensões diferentes. A deslumbrante beleza de Alinne Moraes é explorada através da brilhante fotografia de Ricardo Della Rosa (Lope, À Deriva) que destaca a sensualidade da atriz sem vulgaridade. O elenco coadjuvante é apenas corriqueiro e a presença de Gabriel Braga Nunes como o vilão Ricardo só confirma sua aptidão para compor homens desprezíveis.

A canção "Tempo Perdido", do grupo Legião Urbana, é usada sem parcimônia para pontuar o enredo principal deste despretensioso filme que acerta em cheio seus propósitos. Com uma excelente produção, tomara que O Homem do Futuro estabeleça o destino das comédias nacionais daqui por diante.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (25-31 Agosto) | A Monster in Paris

2011-09-02T16:37:00.001-03:00

Estreia na França: 19 de Outubro // Estreia no Brasil: Não prevista

Tirando do Baú | O Destino Bate à Sua Porta

2011-08-27T17:41:00.011-03:00

Gênero: Drama, Noir

Duração: 113 min.

Roteiristas: Harry Ruskin & Niven Busch

Diretor: Tay Garnett

O Destino Bate à Sua Porta de 1946, versão clássica do novelão noir de James M. Cain, é um filme atípico de sua época. Em primeiro lugar por ter sido feito pela MGM, um estúdio cujas produções eram voltadas para os musicais leves e descompromissados. Segundo por adaptar (com extrema fidelidade) um romance noir do escritor maldito James M. Cain, cujas histórias eram carregadas de sexualidade, vingança e traições e sem finais felizes. Este não foge à regra e temos um dos melhores exemplares do filme noir jamais feito.

Lana Turner é Cora, a mulher fatal em sua totalidade. Sempre de branco (ressaltando um brilho fatal num lugar inóspito e escuro), a primeira aparição de seu personagem é a melhor entrada que uma atriz jamais teve. Lana estava no auge de sua beleza. Assistimos embasbacados a espiral da trama que é tecida sem que nos damos conta de sua periculosidade. Cora é fatal até para ela própria.

John Garfield, ator com um final trágico em sua carreira (morreu aos 39 anos), está perfeito no papel. Tanto é que a MGM implorou a Warner que o emprestasse, pois somente ele daria veracidade à Frank Chambers, um zé ninguém que perambula pela América sem eira nem beira. Exalando virilidade masculina, Frank Chambers fica vidrado por Cora dando início ao turbilhão de tramóias.

É um filme obrigatório para quem curte cinema, pois tem todos os elementos do noir e do melhor que o cinema tinha a oferecer na época. Há uma refilmagem de 1981 com Jack Nicholson e Jessica Lange com várias alterações no texto original e carregado com cenas bem mais eróticas que a de 1946. Mas Jessica não é Lana e Nicholson nem chega aos pés de Garfield, portanto assistam este pequeno clássico noir, um dos melhores do gênero.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (17-24 Agosto) | Motoqueiro Fantasma: O Espírito da Vingança

2011-08-24T17:44:00.001-03:00

Estreia nos Estados Unidos: 17 de Fevereiro de 2012 // Estreia no Brasil: Não prevista

Crítica | Um Sonho de Amor

2011-08-24T17:31:00.007-03:00

Gênero: Drama, Romance

Duração: 120 min.

Roteiristas: Barbara Alberti, Ivan Cotroneo, Luca Guadagnino & Walter Fasano

Diretor: Luca Guadagnino

A alta burguesia italiana já foi analisada sob diversos pontos de vista através de diretores que contestavam o status desta classe privilegiada. Luchino Visconti foi, talvez, o maior representante desta turma de cineastas que observava a decadência e a deterioração da classe social dominante do regime capitalista. Filmes como O Leopardo (1963), Os Deuses Malditos (1969), Violência e Paixão (1974), O Inocente (1976), dentre outros, demonstram esta preocupação em criticar a dinâmica das aristocracias em diversas épocas.

Em Um Sonho de Amor, o diretor Luca Guadagnino (também autor e roteirista) traça o retrato de uma poderosa família italiana sob fortes influências do cinema de Visconti que pode ser observado desde sua clássica abertura até os créditos finais.

A magnífica Tilda Swinton interpreta Emma, a matriarca de uma abastada família milanesa que vive num mundo cuidadosamente ordenado sem que absolutamente nada falte para o marido e seus filhos. Descendente de russos, Emma assimilou a cultura italiana constituindo família com o industrial Tancredi Recchi (Pippo Delbono), mas um encontro casual desperta paixões reprimidas transportando-a para uma viagem de profundo encontro e liberdade sexual.

O diretor analisa a trajetória desta família acreditando na força das imagens e dos sons. A narrativa é recheada de mensagens visuais onde detalhes, aparentemente sem importância, são destacados insistentemente. Logo na abertura, a fria e cinzenta paisagem de Milão é fortemente contrastada com o burburinho dos preparativos de um jantar numa casa que mais parece uma fortaleza. Logo após, imagens de teares barulhentos opõem resistência ao silêncio dos enormes espaços vazios da mansão.

Guadagnino enfatiza em diversas sequências elementos requintados como iguarias, jóias, antiguidades, vestuário e detalhes arquitetônicos para enviar uma mensagem evidente: as velhas tradições só permanecem vivas graças à persistência de seus membros. Os personagens parecem indivíduos de um complexo clã que mantém suas crenças intactas apesar de ansiarem por uma liberdade interna. O diretor não se interessa pelo simples estilo melodramático e a trama desenvolve-se como uma ópera lírica e bela.

A câmera movimenta-se tragicamente pelas requintadas ruas de Milão e San Remo no compasso de uma excelente trilha sonora assinada pelo compositor John Adams, acompanhando sempre os contidos personagens para um fim trágico. Na verdade, o filme parece-se com um imenso livro de arte ou um guia de museu onde a câmera aponta para circunstâncias que exploram o despedaçamento interno dos infelizes personagens. No entanto, estas soluções cinematográficas formam um exercício técnico tão estiloso que, de vez em quando, prejudicam o desenvolvimento do ótimo roteiro. Mas mesmo com alguns excessos, Um Sonho de Amor arrebata o espectador por trazer elementos estranhamente belos e delicados e dar vida nova ao cinema italiano.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (9-16 Agosto) | 50/50

2011-08-18T11:51:00.001-03:00

Estreia nos Estados Unidos: 30 de Setembro // Estreia no Brasil: Não prevista

Crítica | Super 8

2011-08-13T13:33:00.018-03:00

Gênero: Ação, Ficção científica, Suspense

Duração: 112 min.

Roteirista: J.J. Abrams

Diretor: J.J. Abrams

Certos diretores não colaboram com a nossa situação de escrever sobre os filmes que eles fazem. Por vezes, temos que procurar caminhos para falar de erros e acertos que até os espectadores mais distantes da cinefilia já esperavam que fossem escritos. Nós, como pseudo-críticos dos clichês vistos em telas, não podemos também ser repetitivos. Contra-testemunho é um pecado grave e procuramos a salvação e os ateus a coerência. Aqui, em Super 8, J.J. Abrams nos obriga a levar diversos fatores em consideração por se tratar de uma cinehomenagem, porém temos que procurar a justiça ao dizer que o diretor mais me parece inseguro do que cauteloso.

Mas quando banda amadora canta música famosa, dá até para sentir um ar de qualidade. Coisa semelhante acontece por aqui, pois o resultado final é um filme apenas bom. O diretor, roteirista e produtor sobrecarrega esta aventura com tanta preocupação na homenagem ao seu co-produtor Steven Spielberg que, ao jogar com os maiores sucessos do diretor, esquece de ao menos trazer as sensações características da ficção, chegando às vezes a vetar o sentimento de admiração. O pior de tudo isso é que o agrado do preito prestado fica preso ao autor e ao homenageado, não atingindo completamente o espectador.

A razão do nome 'Super 8' não vem do monstro como de costume, mas sim do modelo de câmera utilizado por um grupo de adolescentes que estão gravando um filme amador numa estação de trem, quando de repente acontece um grande acidente. Com a sobrevivência de todos, a turma foge quando percebe a chegada de uma patrulha. Tempo depois, a intriga da história vai se formando com o desaparecimento de algumas pessoas na cidade e a preocupação do Exército com alguns objetos perdidos no acidente.

Um desses objetos fica com o protagonista Joe Lamb (Joel Courtney), que compõe um elenco que qualifica o filme e o livra de ser uma bomba de vez. Os personagens de apego instantâneo fazem com que qualquer ação e caos tenha significado, pois o público se preocupa com as pessoas presas dentro do turbilhão. Michael Giacchino, responsável pela trilha sonora, eleva a aura nostálgica do filme, conseguindo uma referência que não leva apenas a nossa mente a década de 80, mas consegue perfeitamente nos trazer uma sensação única durante a projeção. E é desse mesmo sentimento que percebemos a falta ao assistir esse trabalho de Abrams: o enredo é calculado, orgânico, preso aos limites e o resultado é mais uma fórmula testada pelo tempo em vez de uma criação natural.

Esta fusão de duas sensibilidades cinematográficas, embora eficaz em certos momentos, não é tão excitante ou envolvente como esperávamos. Infelizmente, J.J. parece que ficou olhando apaixonadamente para Steven Spielberg e não percebeu que seu amor criou o próprio paradigma que acabou limitando seu projeto, forçando esta viagem nostalgica a funcionar como um blockbuster e fazendo com que o longa permaneça com a aura de coisas que já vimos.

Até eu já estranho estar fazendo o último parágrafo deste modesto texto para um modesto filme de estimados 50 milhões de dólares. O problema com Super 8 não é o quanto reclamar, mas o pouco que há para ser exaltado. Se conseguisse a façanha de equilibrar a auto-consciência sobre os velhos tempos com os olhos voltados no tempo presente, conseguiria ser mais notável. A principio parecia conseguir, mas depois só caminha para a escuridão, literalmente. Nada passou de uma paixão momentânea.

por Alyson Carlos

Combo Trailer (1-8 Agosto) | A Hora da Escuridão

2011-08-08T02:20:00.003-03:00

Estreia nos Estados Unidos: 23 de Dezembro // Estreia no Brasil: 30 de Dezembro

Crítica | Não Se Preocupe, Nada Vai Dar Certo!

2011-08-06T14:46:00.000-03:00

Gênero: Comédia
Duração: 99 min.
Roteirista: Paulo Halm
Diretor: Hugo Carvana

Hugo Carvana, aos 74 anos, é um dos últimos malandros cariocas em atividade. Seus sete filmes, como diretor, tornaram evidente esta identificação com personagens boêmios e sacanas que viraram uma espécie de marca registrada do ator/diretor.

Seu último trabalho (Casa da Mãe Joana de 2008) foi duramente criticado, pois era evidente que Hugo não tinha se adaptado à nova linguagem do cinema brasileiro, preferindo o ranço das pornochanchadas baratas dos anos 70/80. No entanto, após três anos afastado das telas, Hugo retorna à ativa com uma das melhores comédias nacionais dos últimos tempos. Não Se Preocupe, Nada Vai Dar Certo! surge como uma bela homenagem a este jeito brincalhão e ocioso de encarar a vida.

O longa conta a história de Lalau (um engraçado Gregório Duvivier), um ator mambembe que viaja pelo nordeste do Brasil se apresentando com seu pai, Ramon Velasco (o excelente Tarcísio Meira), também ator e empresário do filho. Certo dia, Lalau recebe uma proposta milionária para fingir ser um famoso guru indiano em uma palestra motivacional. Em nome da grana, ele aceita a proposta, mas algo não dá certo e Lalau precisa da ajuda de seu pai que sempre solta o velho bordão: "Não se preocupe, nada vai dar certo".

Apesar do título pessimista e da marca Globo Filmes (que geralmente estampa uma trivialidade televisiva em suas obras), o filme de Carvana impõe-se com muita peculiaridade num terreno de acesso complicado: o dos blockbusters nacionais que visam atingir a marca de milhões de espectadores (como tantas comédias recentes produzidas no país).

Com uma abertura espirituosa, o filme demonstra o amadurecimento de Carvana como diretor, seja através da excelente direção dos atores, dos ágeis diálogos, da maravilhosa trilha sonora (a cargo de Edu Lobo) ou das belas tomadas aéreas das paisagens do Nordeste. A narrativa é dinâmica o suficiente para atrair o interesse do público e o filme parece beber da fonte das comédias italianas de Dino Risi e Vittorio De Sica onde mensagens repletas de sentimentos de afeto fluem naturalmente com momentos alegres e piadas espirituosas.

Apesar de ainda insistir nos velhos clichês do gênero (a prostituta velha dona de bordel, a bicha faxineira afetada, a secretária gostosona e inescrupulosa), desta vez Carvana utiliza estes estereótipos a favor de uma trama divertida, simples e descompromissada sem, no entanto, cair na pieguice costumeira ou no escatológico grotesco.

Hugo Carvana faz uma bela homenagem à arte de representação e da malandragem especialmente na sequência no Retiro dos Artistas onde ele, adoentado e diabético, acompanhado de uma bela mulata (Mariana Rios), relembra o passado com lágrimas nos olhos através da singela canção-tema "Corda Bamba" que desenha musicalmente toda tônica do filme e diz: "O palhaço aceita a torta na cara desde que se faça rir". É isso mesmo, Carvana!

por Ricardo Pinto

Pintando o Set | A origem e o grande truque do diretor de Batman

2011-08-01T08:50:00.006-03:00

Esta semana tive a oportunidade de assistir o único filme de Christopher Nolan que ainda não conhecia.

Me dei conta de que ele é um dos únicos diretores que não possuí sequer um trabalho ruim em seu currículo. Mesmo seus colegas consagrados como Steven Spielberg e Oliver Stone possuem algum deslize em suas carreiras, vide A.I. - Inteligência Artificial (2001) e Alexandre (2004) respectivamente.

Seus filmes sempre têm roteiros muito bem trabalhados, que - com exceção de um - também contam com sua participação, com histórias originais e envolventes que prendem os espectadores na poltrona do cinema do começo até os créditos finais.

Fiquei interessado em rever o trabalho dele com aqueles que já conhecem e despertar curiosidade nos que ainda não sabem quem ele é.

Christopher Jonathan James Nolan, nascido em 30 de julho de 1970, passou sua infância entre Londres e Chicago, já que possui mãe norte-americana e pai inglês. Ele costuma utilizar as mesmas pessoas na equipe técnica de seus filmes, incluindo sua esposa que é produtora e seu irmão, roteirista.

Vamos aos seus filmes?

Following (1998)

Com um orçamento de US$ 5 mil, o primeiro filme de Nolan foi rodado com uma câmera de 16 mm preto e branca e contou com amigos do diretor no elenco. O roteiro, todo escrito pelo próprio diretor, não tem uma ordem cronológica linear. Este recurso, aliás, seria empregado de diversas formas em praticamente todos os seus trabalhos futuros.

Cartaz do filme

Demorou um ano para ser concluído, sendo filmado apenas nos finais de semana, quando havia tempo disponível para o elenco. Para economizar dinheiro, as cenas foram gravadas em no máximo duas tomadas, e foi utilizada luz ambiente em quase todas as cenas do filme.

Following narra a história de um escritor que segue outras pessoas (daí o nome following = seguindo em inglês) para ter inspiração para seus personagens. Entretanto, o escritor acaba preso numa trama quando quebra sua regra de não seguir mais de uma vez a mesma pessoa, e acaba desenvolvendo uma amizade e parceria com uma delas...

O filme não foi lançado comercialmente no Brasil, sendo exibido apenas em festivais, e o sucesso do projeto rendeu ao diretor um acordo com a produtora Newmarket Films para a produção do seu próximo projeto: Amnésia.

Amnésia (Memento, 2000)

Guy Pearce em Amnésia

O primeiro filme comercial de Christopher Nolan conta a história de um ex-investigador de seguros que tem sua esposa estuprada e morta e fica com uma incapacidade permanente depois de ser atacado por dois homens em sua casa. O protagonista Leonard (Guy Pearce) mata um dos agressores, mas o outro o ataca e consegue fugir. Este ataque resulta num ferimento em seu cérebro, que produz uma condição chamada de “amnésia anterógrada”, impedindo ele de se lembrar de qualquer coisa depois de alguns minutos do fato.

A história possui uma estrutura inovadora, narrando os eventos em ordem inversa. O início mostra Leonard assassinando um homem e vai regressando até o começo da sua “aventura”.

Com grandes interpretações e reviravoltas muito interessantes, o filme foi aclamado pela crítica, sendo indicado ao Oscar de melhor roteiro daquele ano. Este longa abriu as portas de Hollywood para Nolan.

Insônia (Insomnia, 2002)

De todos os filmes, este com certeza é o que difere dos demais. Talvez, e também, pelo fato de ser o único cujo roteiro não tem a mão de Nolan.

Al Pacino e Robin Williams em Insônia

Neste Insônia, dois policiais são enviados ao Alaska para investigar a morte de uma garota. Durante a perseguição ao suspeito, Dormer (Al Pacino) mata acidentalmente seu parceiro Eckhart (Martin Donovan). Simultaneamente a isto, ambos são acusados de desvio de conduta e há uma investigação da corregedoria na qual Eckhart prometeu ajudar em troca de imunidade. Além disso, o suspeito perseguido por eles, Walter Finch (Robin Williams), testemunha o ocorrido e começa a chantagear o protagonista.

A fotografia do filme é belíssima, e as interpretações de Pacino e Willians são muito convincentes. Os dois têm problemas para dormir devido ao fato de não escurecer no Alaska no período de verão, e ambos conseguem transmitir o cansaço e a instabilidade emocional de seus personagens.

Batman Begins (2005)

Após dois sucessos comerciais, Nolan ganhou a chance de recriar a franquia de Batman, da DC Comics e Warner Bros., que havia chegado ao fundo do poço com o Batman & Robin de Joel Schumacher em 1997. E fez um belíssimo trabalho.

Liam Neeson e Christian Bale em Batman Begins

Focando na transformação de Bruce Wayne em Batman, o filme é sombrio e tenta ser o mais realista possível dentro do universo do personagem. Conta com um elenco de peso incluindo Christian Bale como Batman, Gary Oldman como o policial Gordon, Morgan Freeman como Lucius Fox, Michael Caine como o mordomo Alfred e Liam Neeson como Ra's al Ghul.

O filme foi um grande sucesso de bilheteria, o que lhe rendeu um contrato para a realização de mais dois filmes da franquia.

O Grande Truque (The Prestige, 2006)

Este magnífico filme utiliza em parte de sua história a cronologia não linear empregada em quase todos os filmes de Nolan.

Christian Bale e Hugh Jackman em O Grande Truque

Baseado no livro de mesmo nome escrito por Christopher Priest, o longa conta a história de dois mágicos do século XIX, Danton (Hugh Jackman) e Borden (Christian Bale). Ambos são amigos e trabalham juntos, mas após uma fatalidade durante um espetáculo, eles se separam. Não posso revelar muito da história para aqueles que ainda não viram, mas os mágicos rivais acabam indo ao extremo para alcançar o sucesso e destruir um ao outro. O roteiro tem reviravoltas brilhantes e para realmente ser apreciado precisa ser visto mais de uma vez.

Existem muitas pequenas dicas que mostram o “grande truque” que Nolan aplica nos espectadores. A fotografia e o figurino também merecem destaque, e o filme também conta com a presença de Scarlett Johansson e Michael Caine.

Batman - O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight, 2008)

Esta sequência consegue ser melhor do que o filme que a originou, Batman Begins. Batman - O Cavaleiro das Trevas é um filme sombrio, que embora seja baseado num super-herói, consegue ser um grande drama, mesclando também cenas de ação muito impressionantes. Este filme mostra o surgimento e a ascensão do vilão Coringa (Heath Ledger), o aumento da criminalidade em Gotham City e novos dramas na vida de Bruce Wayne.

Heath Ledger em Batman - O Cavaleiro das Trevas

Segundo muitos críticos o filme foi o melhor de 2008, sendo injustiçado por ficar fora de diversas categorias no Oscar, embora tenha ganhado nas categorias de melhor edição de som e ator coadjuvante para Ledger (um prêmio póstumo, já que o ator faleceu durante a etapa de pós-produção do longa, e inédito por ser a primeira vez que uma obra sobre super-heróis conquista um prêmio em uma das categorias principais).

Um dos grandes méritos de Nolan foi dar vida a estória com uma série de elementos que seriam bastante prováveis após o surgimento de um justiceiro (herói?) mascarado. O melhor exemplo disso no filme é o novo problema que Batman tem que enfrentar. Com sua fama, muitas pessoas ficam “inspiradas” e resolvem combater o crime, imitando-o, mas utilizando armas e dando ainda mais trabalho ao Cavaleiro das Trevas.

O filme teve uma grande bilheteria e excelentes críticas. È necessário destacar a atuação de Ledger, que é única e brilhante, construindo um Coringa psicótico, imprevisível e violento. A fotografia também é maravilhosa, bem como os efeitos visuais e a direção de Nolan.

A Origem (Inception, 2010)

Para muitos o melhor trabalho de Nolan até agora. E embora tenha sido disparado o melhor filme de 2010, ficou fora das principais categorias nas premiações mais importantes.

Leonardo DiCaprio em A Origem

Em A Origem, acompanhamos Dom Coob (Leonardo DiCaprio), um ladrão que rouba informações do inconsciente das pessoas invadindo seu sonho. Cobb não pode visitar seus filhos, pois há uma ordem de prisão contra ele, e recebe de um dos seus alvos uma proposta de trabalho: ao invés de roubar uma informação, seu agora cliente Saito (Ken Watanabe) propõe que ele plante uma idéia na mente de uma pessoa, e em troca poderá voltar pra casa e ver seus filhos novamente.

Este projeto abusa dos efeitos especiais, empregados de forma incrível. Como em outros de seus filmes, o diretor também mexe com a ordem cronológica da narrativa e cria muitas reviravoltas até o final. Verificamos também uma preocupação absurda com os detalhes e uma grande coerência com o mundo que é criado.

Além do longa ser excepcional, ele conta com um final bastante diferente que, fazendo analogia com os sonhos, depende da interpretação de cada um, sendo um tanto quanto subjetivo.

O Futuro

Christopher Nolan consegue ser um diretor que faz trabalhos aclamados pela crítica e que fazem muito sucesso com o público também. È uma combinação ideal do que a maioria dos estúdios gosta e objetiva. Além de ser um diretor jovem, vimos com ele bastante talento, não?

Nolan já está quase terminando mais um projeto promissor: Batman - O Cavaleiro das Trevas Ressurge, terceiro filme da franquia e previsto para chegar aos cinemas em julho de 2012.

O negócio agora é rever seus filmes e aguardar ansioso por seus novos trabalhos!

Escrito por Adriano Cardoso.

Crítica | Capitão América: O Primeiro Vingador

2011-08-01T07:30:00.004-03:00

Gênero: Ação, Aventura

Duração: 124 min.

Roteiristas: Christopher Markus & Stephen McFeely

Diretor: Joe Johnston

Joe Johnston é pupilo assumido da escola aberta por Steven Spielberg. Em 1981 ele foi um dos responsáveis pelos efeitos visuais de Os Caçadores da Arca Perdida (ganhando até um Oscar pelo seu trabalho) e regeu as sequências aéreas de Além da Eternidade. Ele também dirigiu a 3ª sequência de Jurassic Park (2001), o que o torna, basicamente, um discípulo direto de Spielberg. Capitão América: O Primeiro Vingador é a prova que faltava para nos certificarmos que apesar de Joe saber utilizar muito bem os tiques técnicos de seu professor, ele não aprendeu o básico e fundamental: uma autoralidade sobre sua obra.

A clássica história do super-herói norte-americano (que traz a bandeira estampada na roupa e no escudo) tem mensagens para além de sua lógica. A transformação de um rapaz franzino, doente e raquítico em um homem de surpreendente massa muscular e super poderes tem material suficiente para atrair a atenção do público e fazê-lo repensar sobre as condições humanas. A trama passa-se durante a 2ª guerra mundial, com a sombra de Hitler pairando sobre a Europa, o que sugere, também, uma releitura do dominante versus dominado. Mas o diretor não está nem aí para os sentidos implícitos do herói americano e faz aquilo que sempre soube fazer: cinema pipocão assumido com o único objetivo de entreter a platéia durante o tempo de projeção (o que é muito pouco para os dias de hoje).

A história, apesar de conter elementos bem interessantes, transforma-se em um decalque sem criatividade. O espectador mais atento vai perceber semelhanças incríveis com a série de Indiana Jones, inclusive no vestuário, cenografia, trilha sonora e concepção visual. A tirania do vilão Caveira Vermelha (Hugo Weaving) não é aprofundada o suficiente, tornando-o um dos mais fracos inimigos da Marvel. Os efeitos 3D não conseguem trazer nenhuma surpresa e as cenas de ação não empolgam, deixando o público aborrecidamente decepcionado com tanta explosão e parafernália sem nenhum sentido.

O filme não é totalmente ruim, pois os efeitos especiais são muito bem utilizados e o personagem principal é bem carismático, mas é impressionante como Johnston jogou pelo ralo elementos brilhantes que renderiam um excelente filme de super-heróis (assim como Kenneth Branagh fez em Thor).

No final dos créditos há um trailer de Os Vingadores que reúne toda a turma de super heróis dirigido pelo televisivo Joss Whedon. Dá até medo pensar no que vai ser do Capitão América e seus amigos.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (25-31 Julho) | Red Tails

2011-07-31T17:33:00.000-03:00

Estreia nos Estados Unidos: 20 de Janeiro de 2012 // Estreia no Brasil: Não prevista

Tirando do Baú | Flashdance - Em Ritmo de Embalo

2011-07-27T15:48:00.002-03:00

Gênero: Drama, Romance, Musical
Duração: 95 min.
Roteiristas: Joe Eszterhas & Thomas Hedley Jr.
Diretor: Adrian Lyne

Os produtores da Paramount ansiavam, em 1983, por um filme que fizesse muito sucesso e enchesse os cofres do estúdio, revertendo assim a difícil situação econômica que se encontrava. Um grupo de produtores (incluindo Jerry Bruckheimer) percebeu que podiam produzir um filme bom, barato e sem grandes nomes no elenco, a partir de um embrião que se tornou febre nos anos 80: a dos filmes clipes, recheados de canções e baladas modernas, com muita dança e energia.

Com um argumento escrito por Thomas Hedley e Joe Eszterhas, o filme passou pelas mãos de vários diretores (Brian De Palma e David Cronenberg) até chegar em Adrian Lyne, que iniciou a carreira como diretor de comerciais e alcançou o 1º grande sucesso com este filme. Assim nasceu Flashdance - Em Ritmo de Embalo que, diferente da estética dos musicais clássicos, apresentava vários quadros de dança intercalados por um fiapo de roteiro.

O filme conta a história de Alex Owens, uma garota linda de 18 anos, sem passado, nem familiares, que trabalha de dia como soldadora numa metalúrgica e de noite dança numa boate qualquer. Mora só (com um cão), anda de bicicleta (ecologicamente correta), visita uma amiga idosa ex-bailarina clássica e, nas horas vagas, ainda arruma tempo para ensaiar números de dança em seu loft ao som de muita música dance dos anos 80. Seu maior sonho é entrar para a Academia de dança clássica, mas apesar do incentivo da amiga idosa, sente-se inferior (não se sabe o porquê) e envergonha-se na fila da inscrição, desistindo da matrícula. Logo no início do filme, ela atrai a atenção do charmoso trintão Nick que, coincidentemente, é chefe do departamento onde ela trabalha. Juntos namoram, passeiam, brigam, reatam e alcançam seu sonho de felicidade.

Apresentado como uma peça publicitária, o filme tem um trato visual semelhante aos melhores anúncios da TV. A fotografia, com muitos filtros, dá o tom final. Tudo é unidimensional ao extremo. Alex é um personagem feliz, autodidata e esforçada. Nick é bonito, encantador e atraente. Há alguns dramas paralelos que servem apenas para ressaltar a verdadeira intenção desta produção. Logo na abertura ouvem-se os acordes do mega sucesso "What a Feeling" (cantado por Irene Cara) e as letras garrafais F-L-A-S-H-D-A-N-C-E em vermelho passando pela tela. Na verdade, o filme basicamente é o que o título apresenta: fashes de dança intercalados pela narrativa descrita acima.

Adrian Lyne mantém um tratamento bem distante dos personagens, deixando seu talento aparecer, apenas, nas incríveis sequencias de dança editadas com uma soberba energia. Mas, apesar desta ingenuidade e simplicidade exorbitante, o filme guarda um charme admirável. Visto hoje em dia, pode ser considerado, tranquilamente, como uma peça Cult do cinema, pois toda a temática dos anos 80 estava lá. A trilha de Giorgio Moroder ajuda a escancarar a alegria e o descobrimento daquela geração que acreditava que o mundo podia transformar-se numa festa eterna. Sonhar era fácil e mais fácil ainda era realizar estes sonhos.

Visto hoje em dia, Flashdance - Em Ritmo de Embalo traz saudades de uma época sem AIDS, sem crises mundiais ou aquecimento global. A vida era um flash. A vida era apenas a alegria de dançar.

por Ricardo Pinto

Crítica | Vejo Você no Próximo Verão

2011-07-27T15:26:00.001-03:00

Gênero: Comédia, Drama, Romance
Duração: 91 min.
Roteirista: Robert Glaudini
Diretor: Philip Seymour Hoffman

Philip Seymour Hoffman é um ator que se identifica bastante com personagens excêntricos e extravagantes, tanto assim que já foi premiado com um Oscar pelo papel do polêmico escritor homossexual Truman Capote em Capote (2005). Sua formação profissional é basicamente teatral e frequentemente aparece em produções independentes norte-americanas, tornando-o um ator único e carismático.

Em Vejo Você no Próximo Verão, Hoffman estréia na direção com uma peça de Robert Glaudini (adaptado pelo mesmo) onde repete o papel principal que interpretou nos palcos off-broadway. O filme conta a história de Jack, um homem tímido e gordo que dirige limusines de luxo e que leva uma vidinha bem medíocre. Seu único amigo de trabalho, Clyde (John Ortiz), e sua esposa Lucy (Daphne Rubin-Vega) sentem pena de sua situação e arranjam um encontro com Connie (Amy Ryan), uma mulher igualmente estranha e problemática. Os dois sentem-se atraídos e parecem que foram feitos um para o outro, no entanto, enquanto um casal se forma, o outro se desfaz e o casamento de Clyde e Lucy começa a naufragar.

Repleto de personagens neuróticos e solitários, típicos clichês dos cidadãos nova-iorquinos, o filme perde-se em maneirismos cênicos que não acrescentam quase nada a uma trama modorrenta que nem melancólica (ou triste) consegue ser. A direção de Hoffman é apática e negligente e é evidente que o ator/diretor prefere valorizar muito mais a imagem do que o conteúdo do texto de Glaudini, deixando sua visão particular predominar em várias sequências ofuscando a essência de alguns personagens e situações.

Sendo seu próprio diretor, Hoffman interpreta Jack sem nenhuma sutileza carregando nas caretas, nos cacoetes, nos pigarros e em falas monossilábicas. Tudo acontece em torno de sua presença e sem nenhuma delicadeza, Hoffman desfia um rosário interminável de neuroses urbanas através de personagens transformados em adultos chatos que não tem nada a oferecer.

Os diálogos aborrecidos e vazios e a fotografia fria de W. Mott Hupfel III (A Família Savage) criam uma sensação de indiferença e sonolência no espectador que fica aguardando alguma conclusão contundente, mas ao invés disso, é frustrado por um final brusco, seco e sem nenhum significado.

Se a peça de Robert Glaudini tinha algum sentido, este passou completamente despercebido em um filme desanimado e sem nenhuma expressividade, afinal Hoffman não é, e nem nunca será, um diretor do calibre de John Cassavetes, cuja ácida observação conseguia identificar as idiossincrasias humanas e transformá-las em discussões inteligentes.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (17-24 Julho) | O Espetacular Homem-Aranha

2011-07-24T03:07:00.000-03:00

Estreia nos Estados Unidos e Brasil: 3 de Julho de 2012

Crítica | A Inquilina

2011-07-23T21:42:00.000-03:00

Gênero: Suspense

Duração: 91 min.

Roteiristas: Antti Jokinen & Robert Orr

Diretor: Antti Jokinen

Dirigido por um desconhecido Antti Jokinen, este thriller apresenta vários convites interessantes. Um deles é retorno da marca Hammer à indústria cinematográfica (antiga produtora inglesa responsável pelos melhores filmes de Drácula). Outro apelo que desperta o interesse é o elenco que conta com nomes como a oscarizada Hilary Swank (que também assina a produção executiva) e o ator ícone da Hammer: Christopher Lee. No entanto, a presença dos dois transforma-se num verdadeiro engodo publicitário, pois não há nada neste filme que justifique seu comparecimento.

Nada parece funcionar numa trama que segue a cartilha elementar do suspense caseiro: proprietário psicopata com cara de bonzinho fica obcecado pela nova inquilina que nada sabe sobre ele. A narrativa sofre com um ritmo irregular, pois na ânsia de delinear o perfil de Max (um correto Jeffrey Dean Morgan), o diretor (que também é um dos roteiristas) esvazia o único potencial realmente tenso de toda a história, restando ao espectador apenas testemunhar seus transtornos anti-sociais, o que é muito pouco se tratando de um suspense com um elenco tão memorável. O filme seria muito melhor caso a tensão sobre a identidade do psicopata fosse mantida até o final com aparições de vultos escuros, coisa que qualquer diretor oriental faria muito bem.

A Inquilina insiste na repetição das velhas e surradas fórmulas que geraram thrillers, até certo ponto, interessantes como Mulher Solteira Procura (1992) ou A Estranha Perfeita (2007), mas o diretor preferindo não arriscar desiste de introduzir elementos originais à obsoleta história de gato e rato, deixando o espectador iludido e perplexo com tanta bobagem. Na verdade, quem ler a sinopse saberá de toda a história, e o que é pior, não terá nenhuma surpresa ou reviravolta que justifique o investimento nesta produção.

A Inquilina é decepcionante em todos os sentidos e dá pena ver uma atriz ganhadora duas vezes do Oscar pagar um mico tão grande num filme tão banal.

por Ricardo Pinto

Crítica | Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2

2011-07-19T20:19:00.011-03:00

Gênero: Ação, Aventura, Drama

Duração: 130 min.

Roteirista: Steve Kloves

Diretor: David Yates

Tudo termina aqui. Parece inacreditável ver essa frase no pôster de Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2 e mais inacreditável ainda saber que isso é a mais pura verdade. Depois de 10 anos, a maior franquia cinematográfica da história chega ao fim com a grande epicidade e emoção que a série merece depois de marcar uma geração de crianças e adolescentes pelo mundo todo.

Nesta segunda parte, a batalha entre as forças do bem e do mal no mundo da bruxaria se tornou uma verdadeira guerra. Tudo está em jogo, ninguém está seguro, e Harry Potter foi o escolhido para fazer o sacrifício final conforme o climático e tão esperado duelo entre ele e Lord Voldemort se aproxima nos terrenos de Hogwarts, onde tudo começou e irá acabar de vez.

Depois de o caminho ser trilhado por tanto tempo por diretores como Chris Columbus, Alfonso Cuarón e Mike Newell, cada um dando seu próprio toque aos filmes, aqui David Yates (que dirige desde Ordem da Fênix) finaliza perfeitamente tudo com uma sensatez exuberante. A maioria das cenas são fortemente impactantes e o cineasta ainda consegue, mesmo com toda a correria, apresentar em alguns momentos um forte senso de humanitarismo, vide a parte em que o dragão cego de Gringotes, após sofrer acorrentado dentro do banco e conseguir fugir com o trio, para por algum tempo pra respirar o ar puro pelo que seja, talvez, a primeira vez em sua vida. Além disso, Yates ainda enquadra milimetricamente seus diversos personagens em planos frontais para mostrar desse jeito o sentimento de cada um com o que está acontecendo ao seu redor. Aqui, um belo trabalho de fotografia do português Eduardo Serra assim como dos atores, que fazem, indiscutivelmente, suas melhores atuações.

Daniel Radcliffe enfim consegue transmitir alguma emoção e aguenta toda a sua responsabilidade nesse filme, mostrando como Harry uma tristeza sem igual por compreender que o que está acontecendo ao seu redor se deve por sua causa, mas também uma aura determinada quando está a procura das Horcruxes ou precisa tomar uma ação. Rupert Grint deixa de ser o garoto que quebra o clima de tensão, mesmo que em certas partes isso ainda aconteça, para se tornar uma pessoa forte e corajosa que ajuda e arrisca sua vida ao melhor amigo, do mesmo jeito até de Matthew Lewis, que como Neville Longbottom recebe status - e "poder" - de líder e tem um papel essencial. Emma Watson, por sua vez, não aparece tanto quanto nos longas anteriores e deixa a desejar, só se tornando importante apenas em uma cena muito aguardada por todos os fãs.

Porém, em um filme repleto de personagens com foco unicamente na grande Batalha de Hogwarts, quem dá o tom são os atores coadjuvantes de outrora que neste último filme aparecem e conseguem roubar a cena em meio a todo o tumulto. Maggie Smith mostra o gênero forte da professora Minerva McGonagall e, com tal jeito, impõe respeito não só aos alunos da escola como também aos espectadores. Ralph Fiennes interpreta Voldemort de uma maneira fervorosa e até mesmo bipolar, que difere da raiva por sua tentativa de vencer até a felicidade que o faz saltitar. Mas o grande destaque mesmo é Alan Rickman que, como um dos personagens mais enigmáticos da série, troca sua fala fria e calculada para mostrar tristeza em momentos sutis e emocionantes não apenas por sua importância na trama, mas também muito graças a sua atuação primorosa.

No entanto, mesmo com todas suas proezas, Relíquias da Morte - Parte 2 ainda conta com alguns erros, tal qual a falta de explicação para as pessoas que não leram o livro em certos detalhes (não fica claro o passado de Dumbledore com sua - nunca mencionada - irmã ou família e até somos pegos de surpresa quando Harry menciona a existência, quase no final, de um filho de um dos casais da história), como já visto na Parte 1. Seja como for, tais falhas são um pouco frustrantes, mas nada que comprometa muito a história e que não seja resolvida com uma lida ao livro antes de ir a sessão.

Para melhor tudo ainda mais, no aspecto técnico, o filme sobra. A fotografia de Eduardo Serra, como já mencionado, é bela e contrasta muito bem com a densidade da grande luta que ocorre. A trilha sonora de Alexandre Desplat traz um sentimento de nostalgia puro ao reutilizar músicas dos filmes anteriores, mas também mostra uma sutileza e intensidade lindos que refletem caprichosamente a atmosfera deste capitulo final. Já os efeitos visuais são impecáveis assim como a direção de arte de Stuart Craig, que sempre fez um ótimo trabalho durante todo esses anos.

Depois de uma década, Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2 encerra de uma maneira perfeita esse ciclo. É emocionante, empolgante e triste, tudo que mereceu ser e esperávamos que fosse. No final, os aplausos de pé são mais que justificados, afinal, verdadeiramente, é o fim de uma era.

por Vinícius Ebenau

"As histórias que mais amamos vivem em nós para sempre e seja que você volte pela página ou pela telona, Hogwarts sempre estará lá para te dar as boas vindas." - J. K. Rowling

Combo Trailer (9-16 Julho) | Hugo Cabret

2011-07-16T17:41:00.000-03:00

Estreia nos Estados Unidos: 23 de Novembro // Estreia no Brasil: 20 de Janeiro de 2012

Crítica | Gainsbourg - O Homem Que Amava as Mulheres

2011-07-13T14:47:00.003-03:00

Gênero: Biografia, Drama
Duração: 130 min.
Roteirista: Joann Sfar
Diretor: Joann Sfar

A vida de Serge Gainsbourg merecia mesmo um filme. Poeta, pintor, compositor, ator, cineasta, cantor e músico, este importante artista francês teve uma vida de altos e baixos. Fumante inveterado, viciado em bebida, mulheres bonitas e versos polêmicos, ele escandalizou os anos 60. Dono de um comportamento controverso, sua obra só foi declarada importante anos depois. Gainsbourg - O Homem Que Amava as Mulheres retrata o percurso deste importante artista desde sua infância, numa Paris ocupada por nazistas, passando pelos atribulados anos 60 (seu período de maior sucesso) até a sua morte aos 62 anos.

Apesar de ser uma biografia autorizada pela filha de Serge (a atriz Charlotte Gainsbourg - que abandonou o projeto do meio das filmagens por não ter condições emocionais), o diretor Joann Sfar não se prende a nenhuma linearidade histórica, tendo, deste jeito, uma total liberdade para compor um retrato mais profundo e complexo do artista. Ele utiliza de interessantes códigos narrativos (e visuais) para descrever como funcionava o processo criativo e psicológico de Serge sem entrar em detalhes biográficos. Desenvolto (desde criança) na arte da sedução, ele experimentou relações com as mulheres mais cobiçadas da época (Brigitte Bardot, Juliette Gréco, Jane Birkin) tornando-o uma espécie de Don Juan do século 20.

A interessante animação gráfica da abertura (criada pelo próprio diretor) demonstra uma grande admiração pela criatividade de Serge, que desenhava personagens para melhor compreender o mundo a sua volta. O gigante boneco judeu, que o perseguia na infância, e sua maliciosa consciência negra (representada por um personagem magro, orelhudo e narigudo) são exemplos destas caricaturas. Dono de um temperamento quase autista, Serge Gainsbourg rendeu muitos discípulos, pois assim como Charles Bukowski, ele se considerava um solitário rebelde de seu tempo.

O ator Eric Elmosnino (ganhador do César de Melhor Ator em 2010) mergulha de corpo e alma num papel de difícil compreensão, impregnando-o com atitudes carinhosas, porém inconsequentes. A trilha sonora (com gravações originais) completa o painel deste artista iconoclasta que tinha uma intimidade furiosa com a inteligência, cinismo e a criatividade.

por Ricardo Pinto

Combo Trailer (1-8 Julho) | Cavalo de Guerra

2011-07-11T14:43:00.003-03:00

Estreia nos Estados Unidos: 23 de Dezembro // Estreia no Brasil: 6 de Janeiro de 2012

Tirando do Baú | O Que Terá Acontecido a Baby Jane?

2011-07-05T20:30:00.004-03:00

Gênero: Drama, Suspense
Duração: 134 min.
Roteirista: Lukas Heller
Diretor: Robert Aldrich

Quando Robert Aldrich convidou Joan Crawford e Bette Davis para estrelar O Que Terá Acontecido a Baby Jane?, ele sabia o que estava fazendo. As duas atrizes, monstros sagrados do Olimpo Hollywoodiano, arquiinimigas reais, encontravam-se na época praticamente no ostracismo (em 1962, Bette chegou a colocar um anúncio nos classificados onde mencionava: "atriz desempregada oferece-se para trabalhar"), portanto nada melhor que elas para protagonizar este conto lúgubre sobre o declínio da fama. Na verdade, Aldrich não queria apenas contar uma história que falasse da decadência. Ele queria mostrá-la, encarnada no rosto e no corpo das próprias atrizes. O título também pode tranquilamente ,ser encarado como uma irônica metáfora ou brincadeira com as iniciais das duas atrizes (Bette = Baby e Joan = Jane) dando um significado maior ao nome do filme (o que aconteceu com Bette Davis e Joan Crawford?).

Com um roteiro adaptado por Lukas Heller (O Vôo da Fênix e Com a Maldade na Alma) baseado no livro de Henry Farrel, o filme ironiza a Hollywood dos anos de ouro, ridiculariza as glórias do sucesso e mostra os estragos que a fama pode fazer num ser humano quando este não se encontra mais em evidência. É basicamente um tratado sobre a demência e a deterioração mental.

O filme tem dois interessantes prólogos que servem para contrastar com o miolo central da história. O primeiro passa-se em 1917 ao som de uma criança chorando. Este detalhe já é uma pista que Aldrich oferece ao espectador e que serve para criar um sentimento de compaixão aflitiva. Somos então apresentados a Baby Jane, uma criança prodígio insolente no estilo Shirley Temple que fazia sucesso em teatros de variedades, bem comuns na época. Logo de cara percebemos que a pequena Baby Jane (Julie Allred) é extremamente mimada pelo seu pai Ray (Dave Willock), uma figura boboca e igualmente infantil. Através da patética canção "I've Written a Letter to Daddy" (cujos acordes são utilizados para a trilha incidental durante todo o filme) percebemos a insistência de Baby Jane em permanecer uma eterna princesinha. Sua irmã Blanche (Gina Gillespie) é apresentada como uma figura rejeitada e vingativa protegida pela mãe sofredora (Anne Barton).

O segundo prólogo passa-se em 1935. Dezoito anos depois, o quadro é completamente diferente embora as irmãs continuem em posições desiguais. O cinema adquire uma importância maior na trama e a aura aparentemente infantil do início cede seu lugar para um cinismo misturado com alguma dose de sensualidade, onde dois executivos assistem, numa cabine, um trecho de um filme medíocre estrelado por Baby Jane Hudson (Bette Davis). Os dois personagens, enquanto passeiam pelas alamedas do estúdio, relatam a situação atual das irmãs enquanto olham para o traseiro das figurantes que passam entre eles. Este código narrativo é extremamente importante para determinar a situação das duas personagens, pois assim ficamos sabendo que Blanche, atualmente uma atriz de cinema de grande sucesso, protege sua alcoólatra e já decadente irmã Jane, obrigando os estúdios a colocarem em produções baratas.

Em seguida, há um brusco corte seco para a limusine de Blanche retornando à mansão acompanhada de Jane. Espertamente, Aldrich não mostra claramente as personagens, alternando nesta cena primeiríssimos planos do volante, do freio de mão e do cano de descarga em funcionamento. O acidente (ou incidente?) acontece ao som de gritos e passos, fazendo deste jeito um retorno ao choro infantil do início do filme. Os letreiros então são apresentados dando início à obra de Aldrich.

Ao iniciar a narrativa há uma legenda onde se lê "Ontem", criando assim um significado elíptico para que a relação ação x tempo x espaço se estabeleça. Deste jeito sabemos que a história a ser contada acontecerá num espaço de tempo entre o ontem e hoje (ou o agora, enquanto assistimos). Na verdade, o que Aldrich quer mostrar é evidente: brigas em família e disputas entre irmãs é algo tão atemporal que pode acontecer em qualquer época que o filme for visto. Obs: e para quem acha que a vida não imita a arte, é só lembrar as irmãs Batista, grandes cantoras da Rádio Nacional, que envelheceram pobres num apartamento sujo em Copacabana, dependendo da caridade de alguns e agredindo-se mutuamente. Morreram loucas e desfiguradas, bem longe da fama que as fizeram famosas. Neste capítulo a televisão tira todo o espaço do teatro (1917) e do cinema (1935) e está bem mais presente (Blanche assiste a um antigo filme seu na TV, assim como a vizinha e a filha) servindo como fonte de resgate dos áureos tempos de outrora.

Bette Davis faz a Baby Jane do título. Uma boneca envelhecida e ridícula que acredita que um dia voltará aos palcos para cantar canções singelas como uma adolescente a fim de contrabalançar os infelizes anos de sofrimento e azedume ao lado da irmã aleijada. Alimentando uma forte culpa pelo acidente, Baby é uma personagem muito bem construída sob o ponto de vista psicológico. Bette utiliza de todos os maneirismos corporais para interpretar uma mulher amargurada, infeliz e desgostosa com o mundo. Sua interpretação, indicada ao Oscar de Melhor Atriz daquele ano, é visceral e intuitiva ao extremo, utilizando seu corpo inteiro para dar feitio a uma personagem derrotada. Os passos arrastados, a coluna caída e seus olhos com bolsas flácidas assustadoramente abertos transformam a atriz numa individua desnaturada e extravagante. O melhor exemplo disso é quando Baby Jane maquia-se para uma câmera tornando o espectador uma testemunha silenciosa de sua decrepitude.

Em contraponto, Joan Crawford, a "grande rainha da MGM" e mulher fatal por anos, interpreta Blanche Hudson, a irmã de Baby e também atriz famosa de outrora aleijada por um acidente de carro supostamente causado por Baby. Joan se entrega de corpo e alma ao papel e deixa-se humilhar por Bette (Baby Jane) por todo o filme. Sua atuação é irritantemente introspectiva e sofredora, mostrando uma faceta diferente dos papéis que a atriz tem preferências por interpretar.

A equipe técnica é um capítulo à parte. A fotografia em P&B de Ernest Haller (...E o Vento Levou) ressalta as rugas e as olheiras das personagens e faz um excelente jogo de sombras dentro da mansão. O figurino premiado de Norma Koch (O Ocaso de uma Estrela) é outro elemento que contribui para a composição da história. As roupas de Blanche e Baby Jane parecem trapos surrados e velhos, aumentando a sensação de cansaço e depressão física que são submetidas às personagens. No entanto, nem tudo é somente acerto. Robert Aldrich excede-se no uso de zooms em várias cenas somente para reforçar o que o público já sabe, como por exemplo em uma cena onde Blanche joga um bilhete amassado pela janela, no terreno da vizinha, solicitando ajuda. Quando Baby Jane retorna da rua, Aldrich utiliza o zoom escancaradamente apenas para tornar a cena mais evidente, o que, em minha opinião, denota uma tremenda falta de sutileza técnica.

O Que Terá Acontecido a Baby Jane? pode não ser um filme perfeito, mas é uma obra atualíssima que fala da 3ª idade de uma forma cruel e pungente. O filme é uma verdadeira pérola dos anos 60 cheio de auto referências a Hollywood, escancarando que a fama e a decadência é uma moeda de duas faces.

por Ricardo Pinto

Pintando o Set | Como são construídos os sonhos...

2011-07-02T14:11:00.021-03:00

MGM, um dos maiores e mais antigos estúdios de cinema

Você tem curiosidade em saber como uma idéia passa da cabeça de alguém para as telas do cinema? Venha comigo.

Podemos dividir o processo de criação de um filme em três etapas básicas: a pré-produção, a produção e a pós produção. A idéia normalmente nasce da cabeça de um produtor ou produtores, que serão os profissionais responsáveis pela organização do projeto.

O primeiro passo da equipe de produção é a definição da “idéia” para o filme e o planejamento (orçamento, tempo necessário para execução, perfil de profissionais a serem contratados, dentre outras coisas). Muitas vezes as produtoras e/ou os estúdios realizam parcerias com outras empresas de forma a reduzir os custos do projeto. Nesse ponto entramos na etapa de pré-produção do filme.

O passo seguinte é a transformação da idéia inicial num roteiro, que é uma história escrita com padrões e formatações técnicas para o cinema. As grandes produtoras recebem todos os meses centenas de roteiros. Quando algum lhes desperta interesse, eles compram os direitos ou contratam os roteiristas. Muitas vezes os estudios querem realizar um filme sobre determinado assunto (que também pode ser a adaptação de um livro, de uma HQ, seriado, etc) e, nesse caso, contratam algum profissional para escrever a história.

Os Irmãos Coen, roteiristas de Fargo (1996),
Bravura Indômita (2010), dentre muitos outros

Com a história em mãos, os produtores partem em busca de uma equipe técnica para o desenvolvimento desta idéia. Na maioria dos projetos a primeira coisa a se fazer é definir um diretor, que será responsável por toda esta equipe técnica. Após a escolha do diretor são contratados os outros profissionais que trabalharão com a iluminação, fotografia, direção de arte, maquiagem, montagem, som direto, efeitos especiais, sonorização, etc. Simultaneamente é fechado o casting, ou seja o elenco de atores que fará parte do filme.

Paul Thomas Anderson, diretor de
Magnólia (1999), Sangue Negro (2007),
dentre outros

Com o elenco e equipe técnica formados, começa a ser elaborado um cronograma do projeto. São definidas datas de ensaio, locações e data das filmagens. Também é nesta etapa que são efetuados testes de câmeras, planos a serem filmados, construção de cenários, etc.

Numa etapa posterior, mais ainda dentro da pré-produção, começam os ensaios do elenco e testes de figurino, no qual os diretores de arte e fotografia também atuam verificando os traços e cores das roupas dos personagens, de acordo com a emoção que se quer passar. Após o planejamento estar completo, entramos na etapa de produção propriamente dita. É neste estágio que ocorrem as filmagens. Muitas vezes a trilha sonora dos filmes também é produzida nesta etapa com uma equipe especializada trabalhando separadamente, algumas vezes tendo acesso a certas cenas para terem uma melhor idéia dos acordes a serem desenvolvidos.

Normalmente não é uma etapa que dura muito tempo. Depende da quantidade e distância das locações, seja regiões de difícil acesso ou distantes. Muitas vezes também ocorrem paradas programadas, como, por exemplo, se existe a necessidade de um determinado personagem deixar a barba mais cumprida ou filmar em uma locação/região em épocas diferentes do ano.

John Williams, responsável pela trilha sonora de trilogias
como Star Wars e das primeiras adaptações de Harry Potter

Diferente do que vemos nas telas, as cenas do filme não são feitas na sequência cronológica, e sim de forma a utilizar melhor o tempo e as locações seguindo o planejamento efetuado na etapa de pré-produção. Quando todas as imagens são capturadas podemos dizer que a etapa de produção do filme se encerrou, e tem início a pós-produção. Esta é a etapa na qual o filme será concluído.

Grande parte do mérito do filme está na montagem. Nela, as cenas obtidas nas filmagens são organizadas de forma a contar a história e também dar ritmo a narrativa, conforme vontade do diretor. Nesta parte também os efeitos visuais são adicionados ao filme, bem como os efeitos sonoros, a trilha sonora e a mixagem de som.

A montadora Thelma Schoonmaker, responsável
pela montagem de diversos filmes tais como
Cassino (1995) e Os Infiltrados (2006)

Muitas vezes, quando o filme é finalizado e os produtores não gostam muito do resultado, são promovidas sessões testes nas quais o longa é apresentado para algumas pessoas, que devem ao final responder um questionário. Isto tem por objetivo tentar melhorar um filme que aos olhos de seus idealizadores não obteve o resultado esperado e que poderia trazer prejuízo aos estúdios, distribuidores e investidores. Nestes casos pode ser necessário filmar novas cenas ou até efetuar algumas alterações no roteiro, eliminação de determinado personagem, acréscimo de outros, diminuição do tempo de duração do filme, eliminação de algumas cenas, etc.

Após o filme ser considerado pronto, ele é levado aos cinemas por empresas que compram os direitos de distribuição do mesmo em troca de lucros de bilheteria. Este processo consiste no contrato das empresas com as salas de cinema para a exibição dos filmes. Muitas vezes a própria produtora se encarrega desta distribuição, mas isto não é uma regra geral.

Depois vem a nossa parte, onde compramos o ingresso e assistimos ao filme, o que, aliás, vou fazer agora. Até a próxima!

Escrito por Adriano Cardoso.

Combo Trailer (25-30 Junho) | Missão: Impossível 4 - Protocolo Fantasma

2011-07-01T21:44:00.000-03:00

Estreia nos Estados Unidos: 16 de Dezembro // Estreia no Brasil: Não prevista

Crítica | Transformers: O Lado Oculto da Lua

2011-07-01T15:06:00.007-03:00

Gênero: Ação, Aventura, Ficção científica

Duração: 157 min.

Roteirista: Ehren Kruger

Diretor: Michael Bay

Depois de ser massacrado em 2009 por Transformers: A Vingança dos Derrotados, Michael Bay se sentiu ofendido pelas críticas e prometeu não voltar mais ao universo dos robôs que se transformam em carros. Pouco tempo depois, aliado a uma pressão do estúdio, o diretor enfim admitiu que errou no segundo longa e oficializou que iria dirigir o terceiro sob outros conceitos que não apenas a ação desenfreada, sem lógica e interruptível que foi todo o segundo filme. Desde então, Bay e o roteirista Ehren Kruger vem dizendo a imprensa do quão empolgado eles estavam com o novo roteiro do próximo filme, que ele era imensamente melhor que o segundo e mais sério também. O primeiro teaser do longa nos mostrou exatamente o que estávamos esperando: ser introduzido a franquia um roteiro interessante que trouxesse de volta a honra que o primeiro longa conseguiu, quando ele era ainda descrente de todos. Pois bem, depois de assistir Transformers: O Lado Oculto da Lua, a sensação que se tem é apenas uma: como alguém que foi massacrado pela crítica passa dois anos da vida dele construindo os mesmos (literalmente OS MESMOS) erros de Transformers: A Vingança dos Derrotados?

Na trama, o jovem Sam Witwicky (Shia LaBeouf) está em um novo relacionamento (aqui entra Rosie Huntington-Whiteley no lugar de Megan Fox, depois da atriz ter comparado Michael Bay à Adolf Hitler) e a sua vida volta de onde o conhecemos no primeiro longa: falido, descrente, desajeitado (ainda assim consegue fazer par com a modelo considerada a mulher mais sexy do mundo) e à procura de um novo emprego. Enquanto isso, os Autobots estão aliados ao governo para missões secretas e proteção aos seus membros mais poderosos. Quando o governo descobre que a omissão do verdadeiro propósito da primeira viagem a Lua está sendo ameaçada pelos Decepticons, que armam um plano de reconstruir Cybertron na Terra, já que agora os robôs vêm uma nova possibilidade no nosso planeta sobre os artefatos recolhidos na época da corrida espacial, é claro que os Autobots vão querer impedir toda a tirania proposta pelos Decepticons e assim iniciar a maior sequência de destruição já feita pela história do cinema.

Conhecendo Michael Bay e os propósitos de blockbusters como Transformers, é claro que ninguém espera uma obra-prima em termos de roteiro e muito menos atuação dos personagens, mas novamente não há nenhum tipo de comprometimento nestes termos e o expectador não tem a mínima conexão com os personagens que, por sinal, não demonstram nenhum tipo de carisma, então o resultado não poderia ser pior: quem está assistindo simplesmente não se importa com quem são os mocinhos e quem são os vilões; a única coisa que resta é ver robôs se matando e destruindo tudo ao redor sem nenhum tipo de foco. E nisso, Michael Bay não economiza na sequência ininterrupta de 40 minutos de guerra com os efeitos mais impressionantes já feitos desde Avatar, superando ainda a sequência final do filme de James Cameron em termos de grandiosidade de uma maneira que nunca parece ter fim para o diretor americano. A ação só fica cada vez mais grandiosa, grandiosa e grandiosa a um ponto de que você se pergunta "Eles estão brigando porque mesmo?".

Claro, em termos técnicos, Bay é impecável. Os efeitos de Transformers 3 são tão impressionantes que realmente dá a impressão de ser o filme mais caro da história do cinema. Aliado a um 3D poderoso, a experiência visual é impactante sem sombras de dúvidas. Mas como nenhum filme é feito somente de efeitos especiais e não há nenhuma conexão com nenhum dos personagens, a ação que deveria ser excitante acaba se tornando totalmente vazia e já na metade do terceiro ato ela torna-se cansativa o suficiente para você querer que aquilo acabe. Aliás, os 157 minutos de película, como em seu antecessor, são novamente desnecessários, uma vez que não há uma história desenvolvida o suficiente para que justifique tamanha longa-metragem.

Outro desperdício sem fim em Transformers: O Lado Oculto da Lua são os atores. A quantidade de nomes de peso no terceiro longa causa indignação a quem conhece a capacidade de grandes nomes como John Malkovich, Frances McDormand, o novamente desperdiçado John Turturro e a participação de Ken Jeong é para ressaltar a vergonha alheia que ele causa no bem-vindo Se Beber, Não Case! e que aqui, não funciona. A substituta de Megan Fox, apesar de linda, não faz nada a mais que a outra: excita marmanjos a esquecer de seus cérebros, que são recolhidos pela moça que entrega o óculos 3D assim que entramos na sessão. Shia Labouf atua no modo automático e não há nada que ele faça no filme, em termos de atuação, que já não tenha feito nos longas anteriores.

Apesar de reconstruir a maioria dos erros do segundo filme, neste, devido a câmera Fusion System, que é bem maior que uma 35 mm (diâmetro convencional dos longas), Michael Bay desacelera os intensos cortes que mal se distinguia a ação, fazendo com que ela se torne uma ação mais equilibrada e mais fácil de ser assimilada, e em quesito de cenários, o diretor retorna ao terceiro longa com uma releitura à lá A Ilha, em um conceito de tecnologia e sofisticação de encher os olhos, aliado ao patriotismo, que já é marca registrada do diretor e resgata uma parte do (bom) clichê de Bay. Mas infelizmente nada justifica a construção, visualmente sensacional, sem vida alguma.

Além do totalmente descomprometimento com os personagens e o roteiro, o diretor piora toda a situação com a imensa quantidade de alívios cômicos e piadinhas que são feitas uma atrás da outra, afetando ao longa de tal maneira a não ter o mínimo de interesse em manter até a coerência de certas cenas, sendo que em inúmeras vezes o clímax é perdidos por alívios cômicos irritantes. Claramente poucos destes alívios são necessários, juntos então a uma quantidade enorme de personagens que não acrescentam nada, absolutamente nada, a trama, onde afeta a todos: ao filme, ao orçamento da produtora, já que inúmeros destes personagens são feitos por computadorização gráfica, e a nós, que perdemos um longa que se tivesse respeitado o mínimo de coerência e tivesse o mínimo de comprometimento com o público já teria sido de muito bom grado.

Afinal, o que pedimos de Transformers e Michael Bay não é a genialidade de Christopher Nolan, o suspense sobrenatural de Darren Aronofsky ou a incomparável conexão de personagens robóticos e alienígenas de James Cameron; é apenas nos entregar um bom roteiro, bons personagens e o mínimo de comprometimento com o público, por que o resto nós já conhecemos. São requisitos mínimos de um bom filme de entretenimento que Michael Bay e sua obsessão por efeitos especiais e tomadas grandiosas de perfeição simplesmente ignora.

por Derek Klein